10 propuestas imperdibles del Festival de Otoño 2023

Temas: Festival, Teatro

Hace 41 años nacía en Madrid el Festival de Otoño, y a lo largo de todos estos años hemos disfrutado con importantes creadores internacionales como Peter Brook, Pina Bausch, Declan Donnellan, Mijail Baryshnikov o Robert Lepage.

El prestigioso dramaturgo y poeta Alberto Conejero, director del festival desde hace cuatro años, ha preparado una suculenta programación para la edición de este año, que se celebra del 9 al 26 de noviembre.

La presencia internacional en el Festival de Otoño 2023 se concreta con nombres como Dimitris Papaioannou, Ivo van Hove, Sasha Waltz, Milo Rau, Miet Warlop, Daniel Veronese, Guillermo Calderón o Samuel Achache, al frente de la compañía de teatro parisina Bouffes du Nord.

Entre nuestros creadores destacan Angélica Liddell, con su última creación inspirada en el torero Juan Belmonte, Nao Albet y Marcel Borràs, Juan Mayorga, María Velasco y Tulsa, Lobato & Rojas o El Patio Teatro.

La danza también ocupará un lugar privilegiado en la programación del Festival de Otoño, no solo por las coreógrafas y coreógrafos de prestigio internacional, sino también por la Compañía Mal Pelo y los estrenos absolutos de La Phármaco y de Jesús Rubio Gamo junto a Luz Prado.

Aquí te dejamos diez propuestas escénicas que no puedes dejar de ver.

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LIEBESTOD

Angélica Liddell, actriz,  directora y escritora, Premio Nacional de Literatura Dramática (2013), es sin duda una de las figuras españolas más relevantes de la escena internacional. Hacer treinta años creó, junto a Gumersindo Puche, la compañía Atrás Bilis, que significa “bilis negra”, uno de los humores hipócritas, que corresponde al temperamento suicida y melancólico que, según ella misma, caracteriza su teatro.

En 2021, revolucionó el Festival de Avignon con el estreno de Liebstod. El olor a sangre no se me quita de los ojos Juan Belmonte, un poema escénico consagrado a amar la muerte. Nadie mejor que ella misma para definir esta creación: “Mis obras siempre están hechas en un cruce de caminos, allí donde uno se encuentra con los fantasmas de los ahorcados y los desertores de la ley, en fin, con la fuerza del inconsciente”.

“En esta pieza, Belmonte y Wagner se cruzan para hablar de una historia del teatro que es la historia de mis raíces y la historia de mis abismos«, continúa Liddell. «Se cruzan para darle voz a mi oscuridad y al origen de mis obras. El cielo cae a la tierra y el infierno sube al trono de Dios. No estoy tan preocupada por lo que se pueda entender, sino por lo incomprensible, por el asombro, por la Epifanía ante lo inexplicable. No me interesa la reproducción de la realidad sino de lo real, es decir, lo invisible. Lo explica el propio título, parafraseando a Francis Bacon: el olor a sangre no se me quita de los ojos”. [Teatros del Canal: del 9 al 12 de noviembre]

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AMADORA

Dos singulares creadoras, la cantautora Miren Iza y la dramaturga y directora María Velasco, firman esta propuesta interpretada por Socorro Anadón, Celia Bermejo y Carmen Mayordomo.

Heroína de andar por casa, Amadora siempre ha estado a merced de los deseos ajenos. El sacrificio y la abnegación, lo mismo que el trabajo a destajo sin contraprestación, parecen en ella una vocación natural. Cuando es alcanzada por el dolor, en forma de aullido irrefrenable, Amadora se propone desparramarse en otra cosa que quizás también es ella misma.

Miren Iza (psiquiatra, compositora, cantante) imagina la banda sonora para el cambio de piel o la muda de un patrón femenino. ¿Qué haremos con la herencia recibida de brujas, amas de casa, putas y santas, leonas y lobas?  [Teatros del Canal: 11 y 12 de noviembre]

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 SODOMA

Con dramaturgia de Julio Rojas y dirección de Aarón Lobato, Sodoma se desarrolla en dos planos paralelos. Por un lado, emulando el relato bíblico, dos ángeles caídos llegan a Sodoma  anunciando la próxima destrucción de un ciudad llena de vicio y pecado. Solo se podría evitar el castigo divino sí aparece algún hombre junto.

Por  otro lado, hay un personaje llamado El Autor (interpretado por Rojas), que muestra su bloqueo creativo y existencial: tiene cosas que contar, muchas, pero también tiene mucho pudor. «¿Será él el hombre justo que buscan los ángeles caídos?», se pregunta. Es un hombre nacido a finales del siglo XX, se identifica como homosexual pero no parece haber sufrido excesivamente por esa condición.

¿Qué significa, pues, Sodoma para él? Ahí comienza el asedio, no de la ciudad pecaminosa, sino de él mismo. “¿Qué puedo contar? ¿Quién soy?” Preguntas que llegan desde la catapulta interior que supone la madurez. [Sala Mirador: 16 y 17 de noviembre]

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MOS

La bailarina y coreógrafa griega Ionna Paraskevoupoulou firma esta pieza en la que relaciona el movimiento con los medios audiovisuales. Junto al performer Geogios Kotsifakis dialoga con una serie de objetos y materiales curiosos que actúan como medios de producción sonora.

Los materiales son puestos al servicio de una danza sutil donde hay pausas y repeticiones, distorsiones, sonidos expandidos y retenidos; una experiencia explosiva para vista y oído porque el público empieza, casi sin pretenderlo, a generar nuevas conexiones e interrelaciones entre objetos, cuerpos e imágenes.

Paraskevopoulou y Kotsifakis actúan en una interacción llena de armonía, y a mitad del espectáculo sorprenden a los espectadores con un número de claqué clásico y muy cinematográfico. [Teatros del Canal: 17 y 18 de noviembre]

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 SANS TAMBOUR

Ligada a Peter Brook durante más de cuarenta años, la prestigiosa compañía parisina Théâtre des Bouffes du Nord vuelve a Madrid con este espectáculo dirigido por Samuel Achachel, con música de Antonin Tri-Hoang, Florent Hubbert y Eve Risser.

“Todo empieza con una ruptura, la de una pareja, su casa y su historia. Hablan o cantan, que al fin y al cabo es lo mismo. El final de su historia es el principio de la nuestra, que es volver a construir sobre sus propias ruinas”. A grandes rasgos, así explica el director, qué es Sans tambour.

La poderosa metáfora que se usa tantas veces para referirnos al final de una pareja, la del derrumbe del edificio, se hace literal sobre el escenario, donde vemos caer las paredes de una casa al ritmo vertiginoso de la última y definitiva discusión. [Teatro María Guerrero: del 17 al 19 de noviembre]

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 WHO KILLED MY FATHER

El director belga Ivo van Hobe, considerado como uno de los creadores más notables y codiciados tanto en Europa como en Estados Unidos, firma esta adaptación escénica de la novela homónima de joven escritor francés Édouard Louis.

Van Hove ha traducido y adaptado el texto, que califica de “descarado y brillante”, para acomodarlo al cuerpo y la voz de Hans Kesting. El actor se desdobla entre ese anciano prematuro (que a sus 50 años es una ruina de hombre tras años de duro trabajo en la industria pesada del norte de Francia) y un hijo que, al visitarle después de mucho tiempo, se encuentra los restos del que un día fue objeto de su rabia por ser gay.  [Teatros del Canal: del 17 al 19 de noviembre]

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 IN C

La coreógrafa y bailarina alemana Sasha Waltz comenzó a pensar en esta creación en los meses de confinamiento, y su primera puesta en escena fue digital. La música que utiliza es la revolucionaria partitura de Terry Riley que lleva el mismo título, In C, de 1964. Una obra emblemática del que es considerado el padre de la música minimalista. Una partitura abierta compuesta por 53 frases musicales que pueden ser tocadas libremente dentro de una estructura fija.

Sasha Waltz imaginó entonces un sistema coreográfico adaptable compuesto de las mismas 53 variaciones, y reprodujo el sistema musical de Riley cambiando los instrumentos musicales por cuerpos.

El resultado es tan hipnótico como la propia música, una suerte de trance en el que zambullirse disfrutando de esas piezas de color que se mueven sobre un escenario desnudo. [Teatros del Canal: 18 y 19 noviembre]

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 ANTIGONE IN THE AMAZON

Un día, el Movimiento de los Sin tierra (MST) brasileños coincidió con el prestigioso director suizo Milo Rau y le propusó trabajar juntos. Rápidamente se pusieron de acuerdo, y decidieron que tenían que trasladar Antígona al Amazonas, ya que la obra de Sófocles pone cara a cara la civilización moderna y nacional frente a la tradicional.

En febrero de 2020, un centenar de personas, desde granjeros hasta activistas indígenas, gente mayor, feministas y profesores se pusieron manos a la obra para revisar el clásico. La pandemia los hizo parar, pero tres años más tarde han podido retomar el trabajo que ahora llevan a escena.

El resultado es un potente espectáculo donde lo real sube a escena la potencia mítica de la épica griega, ya que estamos a la vez en el corazón de la mítica Tebas y en la provincia de Pará en Brasil, donde la selva amazónica se está desintegrando, saqueando y destruyendo irremediablemente por los conglomerados industriales. [Centro de Cultura Contemporánea Condeduque: 22 y 23 de noviembre]

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 CONSTANTE

Dos prestigiosos autores, el chileno Guillermo Calderón y el uruguayo Gabriel Calderón, firman este espectáculo basado en El príncipe constante, de Calderón de la Barca, interpretada por la Comedia Nacional de Montevideo, una de las instituciones públicas culturales más antiguas de Latinoamérica, fundada por Margarita Xirgu en 1947.

Si la obra de Calderón de la Barca cuenta la historia de Fernando de Portugal conquistando tierras moras, en Constante todo transcurre en un pequeño país latinoamericano. Allí, con dinero ruso de dudosa procedencia, se monta una coproducción internacional de El príncipe constante. Tiempo después, cuando la obra ya ha fracasado, una cama, aquella cama donde se torturó al príncipe, es el nudo de pujas, peleas, reclamaciones, sueños, investigaciones y crímenes. [Teatro de La Comedia: 23 y 24 de noviembre]

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 INK

El artista griego Dimitris Papaioannou creó Ink en 2020, durante el encierro de la pandemia, y por eso plantea un formato más reducido de lo que hemos visto de él en Madrid en los últimos años, pero la belleza plástica que propone tiene igual dimensión. El año pasado, Papaioannou decidió retomar esta pieza e interpretarla junto al bailarín alemán Šuka Horn.

Ink es agua y es cuerpo, es líquido y carne, naturaleza viva y desnuda, danza y lucha, mirada y gemido, silencio y luz. Es una pieza emparentada con otra anterior, Primal matter (2012), que partía también como dúo entre el hombre vestido y el hombre desnudo. Artista y modelo, padre e hijo, hombre maduro seduciendo a hombre joven. [Teatros del Canal: del 23 al 25 de noviembre]