Tanto los teatros nacionales como los municipales o el de la comunidad están consiguiendo poner el cartel de «no hay entradas» en casi todas las representaciones, y lo mismo ocurre en los teatros privadas o las salas alternativas, que prácticamente están llenas todos los días. Al gran abanico de propuestas que tenemos en cartel, durante este mes de marzo hay que añadir trece nuevos espectáculos de teatro y danza.
En teatro, hay que destacar tres importantes novelas, completamente distintas, adaptadas a la escena: Niebla, de Miguel de Unamuno; 1984, de George Orwell; e Invisible, de Eloy Moreno. También podremos ver en diversos estrenos a caras conocidas como Aitana Sánchez-Gijón, Malena Alterio y Carmen Ruiz.
Cuatro propuestas de danza de estilos muy diferentes con la Compañía Nacional de Danza, Les Ballets de Monte-Carlo, Asun Noales con su compañía OtraDanza y la sorprendente pieza que interpretan dos artistas tan dispares como el bailaor sevillano Israel Galván y la bailarina caboverdiana Marlene Monteiro Freitas.
1984
Foto: David Miguel Blanco
Creada a finales de los años 90 del siglo pasado, Escorzo Teatro es una compañía teatral española vinculada a montajes contemporáneos de obras de importantes autores, de Shakespeare a Edward Albee, pasando por Peter Shaffer o George Orwell. Precisamente de este último han decidido revisitar 1984, en versión de Javier Sánchez–Collado y Carlos Martínez-Abarca, que también firma la dirección.
En esta nueva puesta en escena se mezclan elementos retro-futuristas, metales oxidados y recursos audiovisuales que subrayan la opresión y el control totalitario del mundo que Orwell nos muestra en su novela.
Escorzo Teatro cuenta sobre esta nueva producción: “Vivimos en tiempos de engaño universal; por eso, ahora decir la verdad es un acto revolucionario. Aunque tal vez elijamos seguir con el cómodo lema de gritar con la multitud, eso es siempre lo más seguro. Por fortuna, no vivimos en una sociedad totalitaria, pero sí tiene mimbres de totalitarismo, y de nosotros depende que no se entretejan”.
Y prosigue: “Por eso traemos 1984 al escenario sin frivolizar con guiños a la actualidad. Sin apartarnos del texto de Orwell, recordemos su advertencia: No dejes que suceda, depende de ti”. [Teatro Fernán Gómez: del 3 de marzo al 5 de abril]
ROMPIENTES
Foto: Javier Naval
El escritor Paul Verrept, considerado como uno de los dramaturgos belgas contemporáneos más incisivos, escribió Pleamar y La huida, dos monólogos sobre versiones distintas de la misma historia, que decidió aunar bajo el nombre de Rompientes.
Este drama de tensión constante, que nos habla de la empatía, de cómo nos comportamos ante la amenaza de que algo va a perturbar nuestra felicidad y del impacto que puede tener el mundo sobre nuestra vida privada, llega a España traducido por Ronald Brouwer y dirigido por José María Esbec.
La actriz Rebeca Hernando y el actor Fernando Guallar dan vida a una pareja acomodada que está enamorada. Viven en una casa en la playa, en un entorno bonito y agradable. Cuando el mar arroja a la orilla los cuerpos sin vida de unos refugiados, adultos y también una criatura, cada uno reacciona de una manera distinta y la relación de pareja se desmorona. El silencio del que antes disfrutaban se convierte en un abismo de incomprensión. [Teatro de La Abadía: del 5 al 22 de marzo]
CASI NINGUNA VERDAD
Foto ensayo: Bárbara Sánchez Palomero
Tras licenciarse en interpretación en la RESAD, en 2002, Cris Blanco siempre ha escrito, interpretado y dirigido todas sus propuestas escénicas. Entre las múltiples piezas que ha creado destacan Ciencia ficción, en la que mezcla teatro, cine y efectos artesanales para reflexionar sobre los géneros y la imaginación, y Grandissima ilusione, una obra sobre la ilusión teatral, los trucos escénicos y el placer del engaño.
En Casi ninguna verdad, Cris Blanco juega con el teatro, la ficción y la autobiografía para cuestionar qué entendemos por verdad. A medio camino entre la conferencia performativa y el espectáculo teatral, la obra propone un dispositivo lúdico e inteligente donde los relatos se construyen y se deshacen ante los ojos del público.
Humor, imaginación y pensamiento crítico se combinan en una pieza que celebra el artificio escénico y nos invita a mirar con desconfianza y placer todo lo que damos por cierto. [Teatro Valle-Inclán/Sala Francisco Nieva: del 6 de marzo al 12 de abril]
EL ESCONDIDO Y LA TAPADA
Foto ensayo: Mauro Testa
Un joven, implicado en un crimen por honor, se esconde para evitar a la justicia, mientras una misteriosa mujer aparece siempre tapada con un velo para ocultar su identidad. Entre malentendidos, celos y equívocos, los personajes intentan resolver sus enredos amorosos y sociales, en un juego típico del teatro barroco español donde apariencias y honor se entrelazan con la comedia.
Calderón de la Barca escribió El escondido y la tapada entre 1635 y 1636, y es una de sus obras menos representadas. La última vez que se llevó a escena fue hace 25 años, dirigida por Manuel Canseco, y ahora, por primera vez, Laila Ripoll, directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, la incluye en su repertorio, en una versión adaptada por la dramaturga Carolina África, puesta en escena por Beatriz Argüelles e interpretada por la séptima promoción de La Joven Compañía Nacional.
Para Beatriz Argüelles, en esta obra no pasa inadvertida la crítica a las normas sociales impuestas sobre el honor de la mujer y su control por parte del hombre. Sin embargo, ella es quien enreda, quien desobedece, quien rompe con la actitud decorosa que se espera de su género. [Teatro de la Comedia: del 12 de marzo al 26 de abril]
ROM – RANGE OF MOTION
Foto ensayo: Alba Muriel
La Compañía Nacional de Danza, en línea con el proyecto de su directora artística, Muriel Romero, estrena un programa ecléctico conformado por dos coreografías: Become y The Second Detail.
Become, creada por Johan Inger, la estrenó la Take Off Dance en el Festival de Itálica en 2025. Esta pieza explora el paso del tiempo, los cambios interiores y la tensión constante entre lo que somos, lo que fuimos y lo que estamos a punto de ser. Utilizando un collage de música contemporánea, Inger construye su coreografía como un viaje sensorial y emocional, abierto a la interpretación del espectador. El cuerpo es el verdadero narrador, y cada gesto parece hablar de pérdida, crecimiento y reconstrucción.
The Second Detail, creada por William Forsythe en 1991 para el Ballet Nacional de Canadá, está considerada como la obra clave que abrió definitivamente el camino del ballet contemporáneo de finales del siglo pasado. La coreografía supuso un punto de inflexión en la danza contemporánea al convertir el ballet clásico en un campo de experimentación radical.
La música electrónica de Thom Willems y la estética en blanco y negro acompañan a Forsythe a llevar la técnica académica al límite, fragmentando líneas y sustituyendo la armonía por tensión, velocidad y riesgo. [Teatros del Canal: del 12 al 15 de marzo]
MALQUERIDA
Foto: Javier Naval
En la hacienda de verano Los Berrocales están Raimunda y su hija, Acacia, celebrando la pedida de boda de la niña. Al quedar Raimunda viuda, contrajo matrimonio con Esteban, que es rechazado públicamente por Acacia. Raimunda vive sin saber que en realidad se ha despertado entre Acacia y Esteban un amor profundo que ambos ocultan tras una máscara de hostilidad. Lo peor viene cuando Esteban, ayudado por El Rubio, comienza a deshacerse de todos los hombres que rodean a Acacia, y es cuando en el pueblo empiezan a llamarla Malquerida…
Jacinto Benavente, Premio Nacional de Literatura (1922), estrenó La malquerida en 1913, interpretada por María Guerrero. Desde entonces prestigiosas actrices como Lola Membrives, Amelia de la Torre, Nati Mistral o Carmen Bernardos han dado vida a este popular personaje.
Adaptada ahora por Juan Carlos Rubio y Natalia Menéndez, que también firma la puesta en escena, la protagonista es Aitana Sánchez-Gijón, que hace 38 años ya interpretó el personaje de la hija, entonces dirigida por Miguel Narros.
Para Natalia Hernández, “Malquerida surge como un grito seco y brutal que nos ata sin remedio a nuestra esencia menos racional. Una historia en la que el amor, el poder, la ambición, el deseo y la violencia se unen irremediablemente, como caras de una misma moneda que, lanzada al aire, puede sorprendernos con su implacable veredicto”. [Teatro Español: del 13 de marzo al 26 de abril]
PROMETEO
Foto: Germán Antón
La bailarina y coreógrafa ilicitana Asun Noales, tras una intensa carrera como intérprete, en 2007 decidió fundar la compañía OtraDanza. Desde sus inicios, su trabajo se ha basado en una búsqueda constante de poéticas visuales y dramatúrgicas que atraviesan al espectador de una manera profunda. A lo largo de estas dos décadas, la compañía ha realizado numerosas giras por Europa, América, Asia y África, con un amplio repertorio coreográfico conformado por más de 50 piezas.
El pasado año, OtraDanza estrenó en Dansa València el espectáculo Prometeo, con dramaturgia de Luis Crespo y Asun Noales, que también firma la coreografía y la puesta en escena. Inspirada en la figura del titán que roba el fuego a los dioses para entregárselo a la humanidad, la pieza convierte ese gesto fundacional en una potente metáfora del riesgo de crear, del enfrentamiento entre el individuo y el sistema y del precio que conlleva iluminar a los demás. En escena, el cuerpo se erige como territorio de conflicto, resistencia y sacrificio.
La composición musical creada por el contrabajista Jorge da Rocha y la poderosa voz de Élénie Wagner forman parte importante de esta propuesta de Asun Noales, que dialoga con el presente y reafirma el propósito de su compañía: creación contemporánea comprometida, exigente y profundamente humana. [Centro Danza Matadero: 14 y 15 de marzo]
BORDE(R) (LA ASPEREZA)
Foto: Ismael Mayo Rueda
Tras licenciarse en Dirección Escénica por la RESAD, Pedro Casas crea en 2012 la Compañía del Señor Smith, formada por artistas de diferentes disciplinas, como la dramaturgia, la danza o las artes plásticas y escénicas, cuyo objetivo es contar nuevas historias utilizando un lenguaje actual y una perspectiva contemporánea.
Hace cuatro años comenzaron a trabajar en la Trilogía de la incertidumbre, proyecto conformado por tres comedias autónomas e independientes que abordan la dificultada de habitar este mundo lleno de incertidumbres desde visiones diferentes.
La primera propuesta fue IF (La ligereza), con la que consiguieron un gran éxito de crítica y público, y ahora presentan Borde(r) (La aspereza), comedia de humor negro con toques de teatro del absurdo que transcurre en una oficina de Atención al Ciudadano. Allí se encontrarán seis desconocidos que empezaran a pelearse por una nimiedad que no saben explicar. A partir de ese caos, iremos conociendo las historias personales que les han llevado hasta ahí, revelando frustraciones, tensiones y las contradicciones humanas de la vida cotidiana. [Sala Cuarta Pared: del 19 de marzo al 4 de abril]
INVISIBLE
Foto: Ildre Sandrin
LaJoven, con el apoyo de la Fundación Teatral Antonio Banderas y del Teatro del Soho CaixaBank, estrena Invisible, versión teatral de la novela homónima de Eloy Moreno, adaptada a la escena por el dramaturgo Josep Maria Miró, Premio Nacional de Literatura Dramática 2024.
La puesta en escena la firma José Luis Arellano, director habitual de LaJoven, especializado en el trabajo con elencos jóvenes y con una trayectoria destacada tanto dentro como fuera de nuestro país.
En 2018, Eloy Moreno publicó Invisible, y rápidamente se convirtió en todo un éxito literario que vendió más de un millón de ejemplares. Años más tarde, se rodaba una miniserie para televisión, y ahora llega al teatro este conmovedor relato que aborda con una claridad conmovedora el acoso escolar, el miedo, el silencio y la soledad que se instala cuando nadie mira. La obra invita a reflexionar
sobre la responsabilidad colectiva, la empatía y la necesidad vital de ser visto y escuchado. [Teatro de La Abadía: del 20 de marzo al 10 de abril]
NIEBLA
Foto: Geraldine Leloutre
Hace cuatro años se creaba la compañía Pilades Teatro, bajo la dirección de Fernanda Orazi y formada por un grupo de actores que se habían preparado con ella. Su tarjeta de presentación fue Electra, en 2023, propuesta que lograba un gran éxito de crítica y público y con la que fueron galardonados con dos Premios Max, a mejor espectáculo revelación y mejor versión.
Orazi, con los mismos actores, estrena Niebla, pieza íntima inspirada libremente en el personaje principal de la novela homónima de Miguel de Unamuno.
Esta propuesta explora la identidad, la conciencia y la fragilidad del yo, cuestionando que significa existir cuando los límites entre pensamiento, deseo y realidad se vuelven difusos. La palabra, el cuerpo y la conexión directa con el público construyen un espacio de reflexión donde la duda y la niebla interior se convierten en materia teatral. [Nave 10 Matadero: del 13 de marzo al 10 de abril]
RI TE
Foto: Laurent Philippe
Pocas veces se han visto en escena dos talentos tan alejados de las convenciones y con unos lenguajes tan personales y diferentes. El encuentro entre Israel Galván y Marlene Monteiro Freitas parecía predestinado. Es como si entre el bailaor sevillano y la coreógrafa caboverdiana corriera un hilo invisible. En un extremo está ella, cuya coreografía combina precisión y libertad extrema, movimientos mecánicos y expresionismo. En el otro extremo está él, uno de los bailaores flamencos más conocidos en todo el mundo, cuyo rápido y característico zapateado se ve interrumpido por la quietud y el silencio.
Hacía tiempo que ambos artistas querían unir sus dos mundos aparentemente distantes, ligados por la pasión por el ritmo y la capacidad de combinar la tensión con una ardiente expresividad. A lo largo de setenta minutos, con una pared detrás, frente a frente, tejen una comunicación nueva y, sin embargo, inmediata: una gramática compuesta de pasos coreográficos, gestos ágiles e interrupciones repentinas.
Marlene e Israel interactúan como criaturas que se conocen, mezclando desafío y seducción en una conversación, con momentos de pura alegría y humor, que únicamente utiliza el lenguaje del cuerpo. [Contemporánea Condeduque: 20 y 21 de marzo]
CENICIENTA
Foto: Alice Blangero
Les Ballets de Monte-Carlo presentan su versión de Cenicienta, con coreografía de Jean-Christophe Maillot y música de Sergei Prokofiev. Estrenada el 3 de abril de 1999 en la Ópera de Monte-Carlo, esta producción se ha consolidado como uno de los títulos más emblemáticos del repertorio de la compañía. La propuesta se aleja de una lectura estrictamente infantil para ofrecer una mirada contemporánea que pone el acento en las relaciones humanas y en el proceso de transformación personal de la protagonista.
Cenicienta aparece como una figura sensible y consciente, definida tanto por su vulnerabilidad como por su capacidad de afirmarse frente a un entorno hostil. La coreografía combina referencias al ballet clásico con un lenguaje actual, de movimiento fluido y expresivo, que favorece la claridad narrativa sin renunciar a la emoción. La dramaturgia, directa y legible, permite que el relato avance con naturalidad, apoyado en una muy cuidada escenografía.
Esta Cenicienta dialoga con la tradición desde el respeto, proponiendo una lectura actualizada que subraya la dimensión emocional del cuento y su vigencia escénica. [Teatros del Canal: 26, 27 y 28 de marzo]
LA VIDA EXTRAORDINARIA
Foto: Javier Naval
Mariano Tenconi Blanco es un dramaturgo y director argentino reconocido por su enfoque creativo, irreverente y profundo en el teatro contemporáneo de su país. Sus obras combinan literatura, humor, emociones y cuestionamientos existenciales, y lo posicionan como una de las voces más destacadas de la dramaturgia de su generación.
En España se le conoce sobre todo por La mujer fantasma, estrenada por la compañía T de Teatre, y por Las cautivas, producción de Compañía Teatro Futuro. Ahora llega uno de sus textos anteriores, escrito en 2018, La vida extraordinaria, que él mismo pone en escena interpretado por Malena Alterio y Carmen Ruiz.
La vida extraordinaria sigue la vida de Aurora y Blanca, dos mujeres unidas por una amistad profunda y persistente. A través de escenas cotidianas como el amor, el trabajo, la maternidad o las perdidas, la obra construye un relato íntimo que combina diarios, cartas y monólogos. Con una dramaturgia poética y emocional, la pieza invita a los espectadores a reconocer la belleza y el sentimiento en cada instante vivido. [Teatros del Canal: del 26 de marzo al 19 de abril]
