Parece que fue ayer y han pasado cuarenta años desde que, en 1986, creé junto a Antonio Gómez Rufo, del Ayuntamiento de Madrid, y Guillermo Heras, del Ministerio de Cultura, el Festival Madrid en Danza. En la tercera edición se uniría Laura Kumin, en representación de la Comunidad de Madrid, y años más tarde, en 2002, sería la Comunidad la que asumiría toda la programación.
A lo largo de estos años, grandes creadores y artistas emergentes, la diversidad de géneros, la vanguardia y la tradición renovadora han situado –gracias a Madrid en Danza– a la capital como una parada imprescindible en el circuito mundial.
Para conmemorar su 40 aniversario, la directora de Madrid en Danza, Blanca Li, ha preparado, del 8 de mayo hasta el 1 de junio, un suculento festín conformado por 25 espectáculos de danza contemporánea y flamenco actual, interpretados por compañías de España, Francia, Lituania, Bélgica, Dinamarca y Canadá.
Aquí tienes 11 propuestas de Madrid en Danza que no te puedes perder –algunas de ellas ya con las entradas a punto de agotarse–.
REQUIEM(S)
Foto Didier Philispart
El coreógrafo francés Angelin Preljocaj fundó su compañía, en 1984, compuesta actualmente por 30 bailarines. Desde entonces, este prestigioso coreógrafo ha creado 60 piezas, muchas de ellas en el repertorio de grandes compañías de todo el mundo.
Para inaugurar Madrid en Danza, el Ballet Preljocaj trae su última propuesta, Requiem(s), estrenada en mayo del año pasado en el Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence, en Francia.
En esta pieza, interpretada por 19 bailarines, Preljocaj explora la memoria, el vacío y la huella imborrable de quienes ya no están. A través de un lenguaje coreográfico universal, la obra transita entre la tristeza, la nostalgia y la posibilidad de encontrar una cierta alegría en la evocación de los ausentes. [Teatros del Canal: 8 y 9 de mayo]
HAIRY
Foto: Dmitrij Matvejev
Davydas Strimaitis, artista de danza contemporánea lituano que vive y trabaja en Francia, tras formar parte del Ballet Nacional de Marsella, decidió hace dos años formar su propio grupo y comenzó a crear piezas que se caracterizan por sus estructuras rigurosas, un vocabulario minimalista, físicamente exigente, y una gran musicalidad.
Aunque a menudo no siguen una narrativa convencional, sus propuestas presentan una historia contradictoria a través del análisis de cuestiones históricas y contemporáneas en la danza, el arte y sus repercusiones políticas.
El año pasado, junto a tres bailarinas, crearon Hairy, con música original de Julijona Biveinytè y dos suites de Bach. El cabello es una de las pocas partes del cuerpo humano que no se puede mover de forma voluntaria y directa. La coreografía y la danza, en cambio, pueden entenderse como un arte de autocontrol físico. Coreografiar el cabello, por tanto, conlleva en sí una tensión dramática: cómo controlar lo incontrolable. Esta tensión es el punto de partida de Hairy. [Sala Pradillo: 13 y 14 de mayo]
#INCUBATIO – CIRCUMANBULATION
Foto: Alba Muriel
Muriel Romero, actual directora de la Compañía Nacional de Danza, estrena su primera creación para la compañía, #INCUBATIO-Circumanbulation, en colaboración con el compositor Pablo Palacio. Una obra que combina danza, música electroacústica y modelos de inteligencia artificial, con el fin de profundizar en imágenes arquetípicas asociadas a estados de trance con el apoyo de tecnología interactiva de vanguardia especialmente creada para esta obra.
La propuesta pretende, precisamente, poner de relieve la importancia de conectar con una parte inconsciente del ser humano cada vez más olvidada, más colectiva, que se expresa en un mar de imágenes o formas que, ocasionalmente, acceden a nuestra consciencia a través de los sueños o de estados mentales anormales. Un estado que habla una especie de lenguaje que hace de puente entre la manera en que expresamos conscientemente nuestros pensamientos y una forma de expresión más primitiva, más colorida, más gráfica. Un lenguaje onírico que apela directamente al sentimiento, a la emoción y, por lo tanto, al cuerpo. [Teatros del Canal: 17 y 18 de mayo]
LANA
Foto: Mariló Miguez
Desde Donosti llegan OSA + MUJIKA, la suma de dos mundos creativos, la danza y la plástica escénica. Jaiotz Osa es bailarín y coreógrafo, y Xabier Mujika, diseñador de vestuario y espacio escénico. Entre los dos crean un equipo cuyo objetivo es narrar historias visuales con un mensaje claro y potente. Su unión es fruto de la necesidad de saciar sus inquietudes en la danza y las artes visuales. Desde 2017, año en que inician esta andadura, han realizado varias creaciones y ahora traen su último estreno.
Lana es un espectáculo con el que reflexionan sobre nuestra identidad, ligada a menudo a nuestro trabajo, aunque este no debería definirnos como personas. “Desde que nacemos», cuentan OSA+MUJIKA, «se nos enseña la necesidad de ser ‘algo’, de tener una ocupación que nos identifique, pero nos olvidamos de que la existencia en sí misma debería ser suficiente. La pasión por el trabajo, muchas veces vista como algo positivo, es en realidad una trampa que nos lleva a sacrificar nuestra vida personal y nuestra salud por un éxito profesional que, en última instancia, no nos satisface de manera integral”. [Sala Cuarta Pared: 20 de mayo]
DELIRIOUS NIGHT
Foto: Bea Borgers
Mette Ingvartsen es una coreógrafa y bailarina danesa. Estudió en Ámsterdam y Bruselas, donde en 2004 se graduó en la escuela de artes escénicas P.A.R.T.S, un año después de fundar su compañía. Su trabajo se caracteriza por su carácter híbrido, y se dedica a ampliar las prácticas coreográficas combinando la danza y el movimiento con otros dominios como las artes visuales, la tecnología, el lenguaje y la teoría.
Delirious Night, con música en directo, muestra cómo un grupo de nueve intérpretes entrega sus cuerpos a una noche delirante de baile y música, cuando las obligaciones y las reglas diarias se suspenden temporalmente.
Inspirados por la libertad de los bailes de máscaras, los carnavales enajenados o las festividades descarriladas, sus cuerpos son impulsados por brotes contagiosos de baile imparable y rebelde. Oscilando entre el hedonismo y el exorcismo, la alegría y la tristeza, estos cuerpos prosperan en un estado de ánimo embriagador de colectividad. ¿Cómo puede un estado de descontrol y exceso impulsar a la multitud a actuar? [Teatros del Canal: 21 de mayo]
VOICE NOISE
Foto: Phile Deprez
El coreógrafo y bailarín belga Jan Martens cree que cualquier cuerpo puede comunicar y tiene algo que decir. Con cada nueva obra, intenta reinventar la relación entre el público y el intérprete. Martens define su trabajo como un retiro en el que la noción del tiempo vuelve a hacerse tangible, ofreciendo un espacio para la observación, la emoción y la reflexión. Para lograr este objetivo, no diseña tanto su propio vocabulario gestual, sino que trabaja con idiolectos existentes y los reutiliza en un contexto diferente, permitiendo que surjan nuevas ideas.
En Voice Noise, seis bailarines interpretan la música de trece compositoras y cantantes innovadoras. Sobre esta propuesta, su creador Jan Martens, comenta: “Quiero explorar la historia musical y ver si puedo dar visibilidad a algunas voces desconocidas. Esta vez quiero tomar la palabra ‘voz’ de manera bastante literal. La partitura de esta pieza estará compuesta íntegramente por obras en las que la voz femenina desempeña un papel protagonista”. [Teatros del Canal: 22 de mayo]
EVERY_BODY
Foto: Bart Grietens
El creador belga Alexander Vantournhout estudió circo en la École Supérieure des Arts du Cirque y danza contemporánea en Performing Arts Research and Training Studios en Bruselas. Su lenguaje físico está influenciado por su variada formación y experiencia laboral. Sin embargo, se caracteriza por dos constantes: la búsqueda del potencial creativo y cinético en la limitación física y la exploración de la relación o frontera entre el intérprete y el objeto.
Junto a su colaboradora Emmi Väisänen, se adentra en los movimientos cotidianos en Every_Body, pieza que transforma un apretón de manos común en una intrincada coreografía de brazos, codos y hombros, mientras que una caminata aparentemente interminable exhibe la versatilidad del juego de piernas y pies. Poco a poco, el dúo teje un tapiz coreográfico convirtiendo incluso los movimientos más sutiles en algo extraordinario. [Teatros del Canal: 23 y 24 de mayo]
INFAMOUS OFFSPRING
Foto: Flavia Tartaglia
El bailarín, coreógrafo, cineasta y fotógrafo belga Wim Vandekeybus fundó su compañía de danza Última Vez a mediados de los años 80. Su obra debut, What the body does not remember (1987), le valió el premio Bessie por su trabajo innovador. A lo largo de su carrera, ha creado hitos en la danza contemporánea en las que mezcla intuición, impulso y energía con un enfoque dramático, a menudo explorando los conflictos entre cuerpo y mente, naturaleza y cultura, hombre y animal. Vandekeybus es conocido por crear performances que combinan danza, música en vivo y vídeo, formando un lenguaje de movimiento único.
En 1990 se presentó por primera vez en Madrid en Danza, y desde entonces hemos visto sus espectáculos en múltiples ocasiones. Ahora nos trae su última creación, Infamous Offspring, que explora la mitología griega fusionando la danza, el cine y la poesía.
En este espectáculo, los relatos míticos se reimaginan y se actualizan a través de la interpretación de una nueva generación de bailarines, siguiendo los textos escritos para esta puesta en escena por la poeta Fiona Benson. Personajes mitológicos como Zeus, Hera y Hefesto se presentan en un contexto contemporáneo y universal, explorando las complejidades de la relación entre los dioses y sus descendientes. [Teatros del Canal: 24 y 25 de mayo]
ZAMBRA DE LA BUENA SALVAJE
Foto: Elena Carrascal
Bailarina, coreógrafa, directora y profesora de danza contemporánea, Isabel Vázquez es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Sevilla. Se formó en ballet clásico y posteriormente en danza contemporánea en el Centro Andaluz de Danza, diferentes escuelas de Madrid y Barcelona, y en The Place-London Contemporary Dance School. Como bailarina ha formado parte de afamadas compañías españolas, como La Cuadra de Sevilla, 10&10 Danza o L’Anónima Imperial.
En 2010 comenzó a crear piezas de pequeño formato y desde entonces ha estrenado múltiples coreografías, entre las que destacan Archipiélago de los desastres, Laika o La maldición de los hombres Malboro.
Con dramaturgia de Ruth Rubio y dirección escénica de Alberto Velasco, Isabel Vázquez crea e interpreta Zambra de la buena salvaje, una propuesta muldisciplinar en la que danza, humor e irreverencia se entrelazan en un monólogo coral donde lo salvaje se traduce en un acto de resistencia colectiva. Una pieza que baila con la bestia, que se abre entre los escombros de la norma y que, sobre la tierra removida, siembra un mundo nuevo. [Sala Cuarta Pared: 24 y 25 de mayo]
LE SACRE DU PRINTEMPS – MAGNIFICAT
Foto: Marie Chouinard
La icónica coreógrafa canadiense Marie Chouinard, asidua de los escenarios madrileños, trae a Madrid en Danza su gran éxito Le sacre du printemps, sobre la partitura de Stravinsky, potente himno a la vida, que ya presentó en el Teatro Albéniz en 2008, y sobre la que Chouinard manifestaba: “No hay trama en mi Consagración, no hay desarrollo, no hay una relación causa-efecto. Solo sincronización. Es como si me estuviese asomando a ese preciso instante que sigue al momento en el que la vida surge por primera vez. Mi pieza trata sobre eso mismo. Tengo la sensación de que justo antes de ese momento hubo una extraordinaria explosión de luz, como un relámpago”.
El programa se completa con la última creación de Marie Chouinard, Magnificat, una pieza que explora la obra sacra homónima de Johann Sebastian Bach, cantada en latín e impregnada en lo divino, con la Virgen María hablándonos, con una voz jubilosa, apasionada y extasiada. Chouinard coreografía los distintos movimientos como entidades notables interconectadas en el mismo espacio-tiempo, interpretados en su mayoría por doce bailarines, aunque también hay tríos, dúos y solos. [Teatros del Canal: 25 de mayo]
CROWD
Foto: Mathilde Darel
Madrid en Danza cierra su 40 aniversario con Gisèle Vienne, coreógrafa, directora de escena y artista plástica franco-austríaca. Licenciada en Filosofía y con estudios superiores en marionetas. A lo largo de los últimos veinte años ha hecho varias giras por Europa, y sus obras se han representado con frecuencia en Asia y en América. Ha expuesto sus fotografías en museos como el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Centro Pompidou de París y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.
Gisèle Vienne vuelve a Madrid con Crowd, propuesta que ya vimos en las Naves del Matadero en 2008. La pieza interpretada por quince bailarines es una meditación sobre el amor y la violencia en el marco de una rave catártica, en la que unos jóvenes se abandonan a la música electrónica. “La intensidad de la música y la emoción que une a estas personas en este lugar crean una situación propicia para una especie de montaña rusa emocional, o más específicamente, un gran número de trastornos interrelacionados”, explica Vienne, que desde hace unos años se interesa por el lado oscuro de las personas y por nuestra necesidad de violencia. [Teatros del Canal: 1 de junio]
