Un mes más, la escena madrileña está en constate ebullición. En febrero vamos a tener la satisfacción de conocer las nuevas propuestas de dos destacados autores españoles, Alberto Conejero y Alfredo Sanzol, así como la última pieza de la dramaturga argentina, afincada en Madrid, Marina Seresesky, o la adaptación teatral de una poderosa obra de la escritora y académica mexicana Sara Urive.
Los actores Sergio Peris-Mencheta y Josep Maria Pou presentan dos obras recientes de los exitosos autores ingleses Nick Payne y Mark Rosenblatt, mientras que el incansable director Juan Carlos Pérez de la Fuente ponen en escena una nueva versión de El jardín de los cerezos, de Chéjov.
Cinco propuestas muy diferentes de danza contemporánea conforman las recomendaciones de este mes, creadas por los españoles Daniel Abreu y Fernando Troya, el sudafricano Gregory Maqoma, la francesa Leïla Ka y el colectivo multidisciplinar canadiense People Watching.
Por último hay que destacar la divertida propuesta del actor y cantante Ángel Ruiz que interpreta el personaje de una drag del siglo XVII en un original cabaré barroco que fusiona el Siglo de Oro con lo contemporáneo.
CION: REQUIEM OF RAVEL’S BOLÉRO
Foto: John Hogg
El bailarín y coreógrafo sudafricano Gregory Maqoma comenzó a interesarse por la danza en la década de los 80 del siglo pasado, como un medio para escapar de las tensiones políticas que se vivían en Soweto, su lugar de nacimiento. Tras participar con varios grupos, en 1999 creó la compañía de danza contemporánea Vuyani Dance Theatre (VDT). Tras años de presentar creaciones tanto en su país como en escenarios internacionales, la compañía se ha convertido como una de las formaciones de danza y teatro más vanguardistas, reflexivas y exitosas que han surgido en África.
Cion: Requiem of Ravel’s Boléro está inspirada en dos novelas sudafricanas y en el icónico Bolero de Ravel. Un potente espectáculo en el que Maqoma aborda la muerte no como el fin natural, sino como la brutal consecuencia de la codicia, el poder y la religión.
Ambientada en un cementerio, nueve bailarines encarnan al difunto canalizando el dolor en un ritual colectivo de recuerdos y liberación. Este réquiem es a la vez lamento y llamada a la acción, para que reflexionemos sobre el dolor infringido por las acciones humanas. [Teatros del Canal: 5, 6 y 7 de febrero]
LO QUE SUEÑA UN PERRO
Foto: Zeb Díaz / Lucía Echevarría
En un claro de un bosque, conoceremos a tres peculiares personajes: Cerilla, Rabioso y Pequeño. El primero, acompañado por su fiel perro, advierte a su vecinos sobre el peligro inminente de la guerra; sin embargo, recibirá como respuesta indiferencia y hostilidad. Rabioso, luchando con sus propias angustias y deseos, decide abandonar a su familia para unirse a un circo. Y Pequeño, el hijo menor de la familia más poderosa del lugar, intenta suicidarse, incapaz de afrontar su vida en el pueblo.
Juntos explorarán sus deseos y temores, y se enfrentarán a decisiones difíciles y revelaciones sorprendentes. La relación especial entre Cerilla y su perro, así como las visiones proféticas del animal, dotarán de misterio y suspense a su lucha por encontrar su lugar en un mundo cambiante y peligroso.
Estos tres personajes, que huyen del horror, que hablan del amor a través de la guerra y que miran el futuro con esperanza, son los protagonistas de Lo que sueña un perro, fábula antibelicista firmada por la dramaturga Marina Seresesky, puesta en escena por Álvaro Lavín e interpretada por Elvira Cuadrupani, Iván Villanueva y Rafael Reyí. [Sala Cuarta Pared: del 5 al 14 de febrero]
CONSTELACIONES
Foto de ensayo: Bárbara Sánchez Palomero
El dramaturgo y guionista británico Nick Payne, conocido por su estilo innovador y su exploración de temas científicos y filosóficos, firma Constelaciones, un texto que entrelaza la teoría del multiverso con una historia de amor íntimo.
Esta pieza se estrenó en Londres, en 2012, con gran éxito de crítica y público. Desde entonces se ha representado en numerosas ciudades de todo el mundo, y ahora llega a España en versión y puesta en escena de Sergio Peris-Mencheta.
Constelaciones explora la relación entre Ella, una física cuántica, y Él, un apicultor. Su encuentro parece casual durante una barbacoa. A partir de ahí, se despliegan múltiples variaciones de esa situación, en las que los mismos diálogos se repiten con matices distintos generando escenarios donde la relación prospera, fracasa, nunca llega a ocurrir o termina abruptamente.
Cada versión es como un reflejo alternativo, una posibilidad en ese mosaico de universos que coexisten. A medida que avanza la pieza, los saltos entre universos se vuelven más significativos: vemos a la pareja enfrentarse a la convivencia, la infidelidad, la enfermedad y la muerte. [Teatro Valle-Inclán: del 6 de febrero al 29 de marzo]
TRES NOCHES EN ÍTACA
Foto: Geraldine Leloutre
El dramaturgo y poeta Alberto Conejero estrena su nueva obra Tres noches en Ítaca, una tragicomedia que plantea cómo Alicia, una mujer que ya ha cumplido los cincuenta, dejó a su familia y su trabajo de profesora de griego para irse a vivir a una isla griega: Ítaca. Veinte años después, sus hijas Ariadna, Penélope y Elena viajarán a Grecia para organizar su entierro. Allí descubrirán qué le sucedió a su madre, y por qué vivió tantos años alejada de ellas.
María Goiricelaya, una de las voces más relevantes del teatro contemporáneo español, pone en escena este texto que está interpretado por Cecilia Freire, Marta Nieto y Amaia Lizarralde. Para Alberto Conejero, esta es una obra sobre el amor que siguen derramando sobre nosotros los que ya no están, y los laberintos en los que nos metemos solitos. «También es una canción de amor a Grecia», explica el autor, «a eso que llaman Humanidades, en tiempos de desalmados al mando y del desmantelamiento de vínculos y raíces. También es un agradecimiento a las maestras y maestros que confiaron en nuestro porvenir”. [Nave 10 Matadero: del 6 de febrero al 8 de marzo]
ARTIGA
Foto: Michael Novak
El autor, director teatral y profesor de dramaturgia Daniel J. Meyer escribió el año pasado Artiga por encargo de la Sala La Mercantil, de Balaguer, un espacio indispensable de la cultura en Lleida. Obra con una dramaturgia de temática contemporánea y una propuesta escénica firmada por el propio autor, donde la música, el movimiento y los objetos comparten protagonismo con el texto.
El actor Javier Lázaro interpreta a un padre que ha educado casi en solitario a su hijo. El muchacho, que ha recibido una educación progresista y diversa, es presentado en un entorno familiar formado por amigos gais del padre, una abuela poco convencional e historias amorosas de madrastras que nunca han ejercido como tal.
En un momento de la adolescencia, sin previo aviso –como suele ocurrir–, la rebeldía de toda esta generosidad e idealidad de educación y cuidado, será cuestionada: el hijo comienza a tener actitudes homófobas, agresivas y problemáticas respecto a los valores que ha vivido y recibido en casa. ¿Podrá el padre renunciar a la patria potestad de su hijo menor adolescente? [Sala Tarambana: todos los sábados de febrero y los domingos de marzo]
EL REY DE LA FARÁNDULA
Foto: Javier Naval
Grandes figuras como Lope de Vega, Calderón, Quevedo y Velázquez representaron el máximo apogeo de las artes durante el reinado de Felipe IV. En este contexto, surge un personaje misterioso y fascinante, mezcla de actor, cómico, cantante y bufón, que sirve de hilo conductor en El rey de la farándula.
A través de este cabaré del Siglo de Oro, este personaje –amante, confidente y espía– transporta al público entre épocas, revelando secretos y anécdotas de la corte de Felipe IV.
Escrito, dirigido e interpretado por Ángel Ruiz, que con un tono sarcástico, provocador y a la vez conmovedor, nos ofrece una visión humana y emocional del monarca y su tiempo. Con una estética andrógina y barroca, acompañado por el pianista Bru Ferri, interpreta canciones renacentistas y barrocas de Monteverdi, José Marín y Juan Hidalgo, además de temas contemporáneos. Y recita poemas de Quevedo y pasajes de Lope y Calderón, con los que construye un espectáculo versátil, vibrante y lleno de gracia, donde el pasado y el presente se funden sin barreras temporales. [Teatro de La Comedia: del 12 de febrero al 1 de marzo]
ANTÍGONA GONZÁLEZ
Foto: Antonia Fitcher
La popular actriz mexicana Marina de Tavira interpreta el monólogo Antígona González, adaptación teatral del poderoso texto de la escritora y académica mexicana Sara Urive. Inspirado en la figura clásica de Antígona, la obra transita desde el mito hasta el presente mexicano, en el que miles de mujeres –como Antígona González– buscan incansablemente a sus seres queridos víctimas de desaparición forzada.
Para Marina de Tavira, el teatro tiene la capacidad de tocarnos desde lo más profundo y, al mismo tiempo, abrir espacios de reflexión colectiva: “Interpretar una obra como esta es, para mí, una forma de honrar la memoria, de nombrar lo que a veces se quiere silenciar. Necesitamos que el arte nos confronte, que provoque conversaciones y que ayude a que las voces de las víctimas resuenen más allá del escenario”.
Sandra Félix ha creado una puesta en escena sobria y poética, y explica: “La obra no busca respuestas, busca resonancia y nos invita a mirar de frente una realidad dolorosa. Porque en el teatro, como en la vida, lo que no se nombra, desaparece”. [Contemporánea Condeduque: 12, 13 y 14 de febrero]
PLAY DEAD
Foto: Melika Dez
Seis artistas multidisciplinares de Montreal, durante la pandemia en 2020, decidieron unirse y crearon el colectivo People Watching, para investigar la forma de interactuar con la audiencia durante el aislamiento. En ese proceso creativo surgió un lenguaje único que combina acrobacias, teatro físico, malabarismo y coreografía en sus impactantes propuestas escénicas, en las que también usan el vídeo y la fotografía, y disponen a su antojo de las artes escénicas contemporáneas para lanzar su mensaje.
Play Dead es una pieza ambientada en el salón de un apartamento donde se reúnen seis personajes para, a través de sus cuerpos, contar –sin palabras– pequeñas historias cotidianas, surrealistas, que nos muestran lo hermosa, retorcida y risible que puede ser la realidad.
La acrobacia de más alto nivel se fusiona con la poesía y el humor. Los artistas saltan, caen, vuelan, bailan sobre botellas de champán, hacen girar platos sobre varillas… En definitiva, celebran la vida como un baile perpetuo, con el deseo de conectarse con los demás y compartir su intimidad. [Teatros del Canal: 12 y 13 de febrero]
EL JARDÍN DE LOS CEREZOS
Foto: Javier Naval
Lubova Andreievna regresa con su familia a su antigua finca en Rusia tras varios años en París. La finca tiene un hermoso jardín de cerezos, pero la familia está arruinada y la propiedad va a ser subastada por las deudas. Lopajin, un antiguo criado que ahora es un rico comerciante, les propone una solución: talar el jardín y construir casas de veraneo para alquilar.
Lubona y su familia son incapaces de tomar una decisión y la finca será subastada, y es Lopajin quien la compra. La familia abandona la casa y a lo lejos se escuchará el golpe de las hachas cortando los cerezos. La despedida marcará el final de una época.
El jardín de los cerezos es una de las obras más importantes de Antón Chéjov. En España se ha visto en múltiples ocasiones bajo la dirección de José Luis Alonso, Juan Carlos Plaza o Ernesto Caballero, interpretada por actrices como María Dolores Pradera, Julia Gutiérrez Caba o Carmen Machi.
Ahora, el director Juan Carlos Pérez de la Fuente estrena una nueva producción en la que Carmen Conesa dará vida a la arruinada aristócrata rusa. Sobre la actualidad de la obra, Pérez de la Fuente afirma: “En nuestro siglo XXI, cargados de interrogantes sobre cómo va a ser nuestra existencia, nos encontramos con que este importante texto está más vigente que nunca”. [Teatro Fernán Gómez: del 12 de febrero al 12 de abril]
LA ÚLTIMA NOCHE CON MI HERMANO
Foto ensayo: Bárbara Sánchez Palomero
El director del Centro Dramático Nacional, Alfredo Sanzol, pone en escena su última obra La última noche con mi hermano, interpretada por las actrices Elisabet Gelabert, Ariadna Llobet y Nuria Mencía y los actores Biel Montero, Jesús Noguero y Cristóbal Suarez. Con un tono íntimo y sencillo, esta obra habla de la familia, la despedida y de todo lo que cuesta decir cuando el tiempo se acaba.
Todo transcurre durante una noche, en un espacio cerrado y cotidiano. Dos hermanos, Nagore y Alberto, se encuentran para pasar juntos lo que ambos intuyen, aunque no se atreven a nombrar, que será su última noche juntos. Ella carga con una situación límite, la han diagnosticado un cáncer, mientras él intenta mantenerse en la normalidad usando el humor y la conversación ligera como forma de protección. Esa diferencia de actitud generará tensión, silencios incómodos y velados reproches.
En palabras de Sanzol: “El duelo por la pérdida de una hermana o de un hermano es el que socialmente está menos acompañado. Es cierto que hay muchas maneras de vivir la hermandad y también es cierto que en muchas ocasiones se trata de vivencias en las que se instala la frialdad y la distancia, pero también es cierto que, en muchas ocasiones, la hermandad constituye un hecho esencial en la vida de las personas y la pérdida de la otra parte es una amputación real del ser”. [Teatro María Guerrero: del 13 de febrero al 5 de abril]
MALDONNE
Foto: Monia Pavoni
La bailarina y coreógrafa francesa Leïla Ka, sin asistir a ningún tipo de escuela de baile, comenzó a los 16 años en el mundo de la danza urbana y dos años más tarde, tras pasar unas pruebas, entro a formar parte de la Compañía de Maguy Marín para interpretar su famosa pieza, May B.
Posteriormente decidió emprender su carrera coreográfica, y sus tres primeras piezas inspiradas en sus influencias urbanas alcanzaron rápidamente un gran éxito en más de treinta países. Tras ganar varios premios y crear la coreografía del espectáculo de Beyoncé o de la Ceremonia de los Premios César, en 2023 formó su propia compañía con la que estrena su primera pieza grupal, Maldonne.
Leïla Ka utiliza fragmentos del concierto El verano, de Las cuatro estaciones de Vivaldi, para presentar una propuesta de danza contemporánea con cinco bailarinas que exploran la fuerza, la resistencia y la rebeldía femenina frente a los roles impuestos. Con una coreografía intensa y física la obra convierte la fragilidad aparente en un gesto colectivo de lucha y liberación. [Centro Danza Matadero: 14 y 15 de febrero]
GIGANTE
Foto: David Ruano
Verano de 1983. El famoso escritor inglés Roald Dahl revisa las pruebas de su último libro, que está a punto de ir a la imprenta, pero el escándalo provocado por un artículo antisemita que ha publicado recientemente no parece apaciguarse. A lo largo de una sola tarde, en su casa, enfrentado a una interlocutora inesperadamente beligerante, Dahl se ve obligado a elegir entre disculparse públicamente o poner en riesgo la fama y la reputación.
Directamente desde el West End de Londres y galardonada con tres Premios Oliver 2025, incluido el de Mejor Espectáculo, Gigante, de Mark Rosenblatt, está inspirada en hechos reales. La obra ofrece un retrato poliédrico de un artista terriblemente carismático y explora, con una agudeza no exenta de humor, la diferencia entre la opinión razonada y los peligros de una retórica dictada por los prejuicios.
Dirigida por Josep Maria Mestres, el actor Josep Maria Pou encarna a Roald Dahl, el excéntrico escritor de fama internacional por sus libros, Charlie y la fábrica del chocolate, Matilda o Las brujas, que vio como unas polémicas declaraciones suyas inflamaron a la prensa, repercutiendo en su reputación, con consecuencias imprevisibles. [Teatro Bellas Artes: del 20 de febrero al 22 de marzo]
CAPÍTULO
Foto: marcosGpunto
El bailarín y coreógrafo tinerfeño Daniel Abreu es uno de los creadores más destacados de la danza contemporánea española. Tras estudiar danza clásica en Tenerife, en 1999 llegó a Madrid para trabajar en varias compañías de danza y teatro, como Provisional Danza, Lanónima Imperial, Matarile Teatro o en Centro Dramático Galego. En 2003 estrenó su primer trabajo en solitario y, un año más tarde, creó su compañía.
Desde entonces, las más de setenta producciones creadas sugieren al espectador recorridos visuales y poéticos acerca de conceptos y narrativas que se han tildado de originales y con un lenguaje propio. Ha sido galardonado con múltiples premios, entre los que destacan el Premio Nacional de Danza en la modalidad de coreografía y tres Premios Max.
Junto a dos bailarinas y dos bailarines, Daniel Abreu interpreta su última propuesta, Capítulo, sobre la que cuenta: “Las historia, queramos o no, están escritas en capítulos. Relatos fragmentados que hablan de gente que alivia el sufrimiento de otros o les impone toda suerte para el cambio. Este trabajo habla de los grupos y la flecha que les guía. Historias cíclicas que a veces duelen y a veces…”. [Teatros del Canal: 26, 27 y 28 de febrero]
A PELO
Foto: Tim Mai Tan
Fernando Troya cuenta con una sólida formación de danza pero, tras graduarse en el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, decidió enfocar su carrera al teatro físico y la performance. Actualmente reside en Ámsterdam y cuenta con el apoyo del ICK Dance Amsterdam. Ha creado más de veinte piezas tanto para su grupo como para otras compañías como el Ballet de Finlandia o el Budapest Dance Theatre.
En 2024 fundó A Pelo Productions con la intención de presentar obras que partan del cuerpo: de su deseo, de su vergüenza y de sus contradicciones. Y se centra en las narrativas queer, de travestismo y no normativas no como una excepción, sino como voces esenciales en el panorama cultural.
En la pieza que ahora trae a Madrid, A pelo, reúne escenas que aluden a momentos oscuros del pasado de Troya, especialmente ligados a la hipersexualización, el juicio social y la propia percepción del cuerpo. A través del movimiento físico entre dos cuerpos, Fernando Troya y Nacho Sanz, la obra muestra cómo el deseo queer puede convertirse en conflicto y cómo el cuerpo se vuelve campo de batalla. Según Troya, A pelo no está aquí para complacerte: está aquí para poseerte. [Sala Nave 73: 26, 27 y 28 de febrero]
