Un año más, junio marca el fin de la temporada de teatro en Madrid, y muchas de las salas cerrarán sus puertas cuando acabe el mes hasta finales de verano.
El mes de junio no podría comenzar con mejor pie. Los actores y creadores Nao Albet y Marcel Borràs siguen su personal estilo teatral, lleno de humor, juegos e ironía y presentan su primera ópera. También hay destacar los ciclos El Jaleo, dedicado a las artes escénicas LGTBIQ+, y Tachán, que forma parte de la celebración de los 50 años de ‘España en libertad’.
La danza estará representada por el innovador bailaor Israel Galván con tres producciones diferentes. En una de ellas, acompañado por una charanga, incluso convertirá el escenario en una caseta de feria. También destacar a la bailarina y coreógrafa brasileña Mari Paula, que reinventa el universo clásico al que las mujeres se han visto sometidas a lo largo de los siglos.
LOS ESTUNMEN
Foto: Marta Más Girones
Los creadores Nao Albet y Marcel Borràs no abandonan su estilo teatral lleno de humor, juego e ironía y saltan a la ópera con Los estunmen, con música de Fernando Velázquez; una reflexión sobre el amor y la violencia a través de la figura de los especialistas de cine: los stunts.
La protagonista de esta ópera contemporánea inicia un viaje sin retorno para vengar la trágica muerte de su único hijo. Un grupo de hombres le proporcionará las claves necesarias para llevar a cabo su venganza. Estos hombres, especialistas de cine, cuestionan la idea clásica de masculinidad a través de la figura del héroe.
El proyecto de Albet y Borràs busca incidir, precisamente, en este imaginario: ¿Qué ideología se esconde detrás de la figura del héroe? ¿Qué patrones de masculinidad perpetúa? ¿Sigue ejerciendo influencia la idea del héroe masculino y valiente? [Teatros del Canal: del 2 al 14 de junio]
LA VIE SECRÈTE DES VIEUX
Foto: Yohanne Lamoulere
En la pista de baile de un salón, ocho ancianos y ancianas conversan sobre el amor y la sexualidad. Cada uno relata su historia, convirtiéndose en la voz de toda una generación. Bajo la dirección del dramaturgo y director Mohamed El Khatib, estos personajes en el ocaso de sus vidas, de una manera a la vez divertida y conmovedora, pintan un retrato del amor en la vejez, creando un relato nostálgico de sus viajes emocionales.
Sin embargo, en lo más profundo de sus corazones, albergan la promesa de que el deseo puede manifestarse hasta el último aliento. Esta obra, que pende de un hilo debido a la tenue conexión entre cada participante y la vida, rompe sutilmente los tabúes que rodean la intimidad de los ancianos.
Mohamed El Khatib empezó a fraguar este espectáculo durante la crisis del covid, cuando el tema de las residencias de ancianos emergió en la esfera pública con toda su cruda realidad. A partir de ese momento, en todas sus giras dejaba en los teatros una nota: “Si tienes más de 75 años y tienes historias de amor, llámame”. Rápidamente, ancianas y ancianos de toda condición se pusieron en contacto con él, y así se fue tejiendo un relato que refleja un amplio abanico de experiencias amorosas en la vejez. [Centro Dramático Nacional. Teatro María Guerrero: del 4 al 7 de junio]
SOLEDAD. VIDA Y OBRA DE MI ABUELA
Foto: Carlos Pascual
Selu Nieto es actor, dramaturgo, director y fundador de Teatro a la Plancha, una compañía con la que ha construido un lenguaje escénico muy particular y con la que ha conseguido galardones como el Premio Lorca Mejor Autor o el Premio Mejor Actor Escenarios de Sevilla. Desde entonces ha estrenado siete espectáculos y ahora presenta su última creación, Soledad. Vida y obra de mi abuela, dirigida por Susana Hernández.
Soledad. Vida y obra de mi abuela es una propuesta unipersonal en la que Selu Nieto, en tono de tragicomedia, encarna a su desaparecida abuela. Una obra que trata temas tan necesarios como la importancia de la salud mental, la lucha contra la depresión, el acompañamiento y los vínculos familiares.
Nieto escribió esta pieza para decir adiós a su abuela. “No, no escribo este texto a modo de terapia, pero sí pretendo que pueda ser terapéutico para quien lo reciba. Es más que necesario darle el sitio correspondiente a la salud mental, de hablar y de ser escuchados. Esta obra no va dedicada exclusivamente a mi abuela, sino a todas las abuelas y nietos y nietas del mundo”. [Teatro Lara: todos los jueves, del 4 al 23 de junio]
EL JALEO. CICLO LGTBIQ+
Manual para follarse a un macho con vagina
Desde hace cuatro años, la sala madrileña Nave 73 programa un ciclo de artes escénicas LGTBIQ+. En la edición de este año, que se celebra del 5 al 28 de junio, han preparado un programa conformado por nueve propuestas comprometidas con la diversidad sexual y de género. De entre estos montajes hay que destacar Manual para follarse a un macho con vagina, Llámalo X, La carta fue un error y Las toreras.
Pablo Alamá, actor y periodista, firma e interpreta Manual para follarse a un macho con vagina, una pieza en la que la cuenta, a través de su experiencia personal, qué significa ser un hombre trans [días 5,12, 19 y 26]. Desde Bilbao llegan ocho actrices para interpretar Llámalo X, una comedia en la que un grupo de amigas, cansadas de la rutina diaria, deciden hacer algo revolucionario para conocerse mejor: una orgía. [Días 5, 6 y 7 de junio]
La carta fue un error, de Camila Elejalde, es una historia de desamor sáfico entre C y X. Vienen juntas, C es una chica intensa y neurótica. X es la personificación de su mente. Una mente que juzga día y noche, torturándola sin piedad y recordándole todos los errores que cometió con su última amante. [Días 6, 13, 20 y 27]
Finaliza el ciclo con Las toreras, una pieza en la que asistimos a la última corrida de toros en España. En el ruedo, la Grande de Tomares y el Niño de Blanca se enfrentan para contar una historia que no busca gloria sino verdad. En su lidia, cada movimiento es una pregunta. Cada silencio, una herida. Y al final, sobre la arena, la pregunta inevitable: ¿Eres más toro o torero? [Días 26, 27 y 28]
ISRAEL GALVÁN
Foto: Claudia Ruiz Caro
Considerado como uno de los artistas más innovadores del flamenco contemporáneo, Israel Galván ha convertido sus creaciones en un territorio imprevisible donde la tradición dialoga con el riesgo, el silencio y la ruptura. Cada aparición suya en escena es una exploración que transforma el flamenco en una experiencia contemporánea y profundamente viva.
Tras su exitosa propuesta Ri Te, junto a Marlene Montero, vuelve a Madrid para presentar tres espectáculos en el Centro Danza Matadero: La edad de oro, Sevillanas solteras y Bailas, Baby? Para celebrar el vigésimo aniversario de La edad de oro, un clásico de su repertorio, Galván revisita esta propuesta con la voz de la cantaora María Marín y el guitarrista Rafael Rodríguez. [Días 5, 6 y 7]
Con Sevillanas solteras, el bailaor convierte el escenario en una caseta de feria, acompañado de la charanga Los Sones de Olivares, que da el perfecto punto de fiesta. Suenan por doquier las sevillanas, mientras Galván sale ataviado con un traje de flamenca corto. [Días 12, 13 y 14]
Bailas, Baby? está dedicado a bebés y a la primera infancia. En el escenario, siete sillas pequeñas, con diferentes tipos de calzado (botas de agua, botas de fútbol, calzado japonés o aletas). Con estos elementos, el bailaor intenta que los bebés, al descubrirlos y verlo cambiar de un calzado a otro, participen activamente jugando y provocando sonidos junto a él. [13 de junio]
ECHO (EVERY COLD-HEARTED OXYGEN)
Foto: Manuel Harlam
El dramaturgo iraní Nassim Soleimanpour y el director italo-palestino Omar Elerian estrenaron en julio de 2024 en el Royal Court de Londres esta odisea teatral inexplorada, a través del tiempo y el espacio, donde la brillantez espontánea se encuentra con la innovación, en respuestas a la crisis climática. Por su originalidad y claro mensaje, esta propuesta consiguió un gran éxito de crítica y público.
Echo nos invita a reflexionar sobre lo que significa ser un inmigrante en el tiempo. Un intérprete diferente sube al escenario en cada función sin tener idea de lo que se le pedirá. Sin ensayos ni preparación, el guion se convierte en su guía mientras recorren la historia del dramaturgo, conectados en directo desde su apartamento en Berlín. Pero ¿estará allí? ¿Cómo se desarrolla este juego? A través de la improvisación surgen momentos sorprendentes. En las dos representaciones de Madrid se alternarán en escena Sergio Peris-Mencheta y Andrea Giménez. [Contemporánea Condeduque: 5 y 6 de junio]
LA ESCOPETA NACIONAL
Foto: Javier Naval
La icónica película La escopeta nacional, de Luis García Berlanga, se reinventa en una adaptación teatral firmada por Bernardo Sánchez Salas, que mantiene intacta la sátira mordaz sobre las apariencias, el poder y la corrupción en una España que, aunque cambiante, sigue reconociéndose en el espejo del pasado. Dirigida por Juan Echanove, está interpretada por, entre otros, Pere Ponce, Luisa Martín, Patxi Freytez y Enrique Viana.
Un empresario catalán busca hacer negocios en Madrid y acude a una cacería con la élite del régimen franquista. Lo que parece una reunión estratégica pronto se convierte en un desfile de intereses cruzados, hipocresía y situaciones absurdas que harán reír y reflexionar al espectador. Sobre esta puesta en escena, Juan Echanove cuenta: “Berlanga y Azcona jugaron en 1978 con estas cartas una gloriosa partida en la que nos mostraban todos estos entresijos de una España que salía de una dictadura para afrontar los caminos luminosos de la Transición”.
Prosigue Echanove: “La comedia les proporcionó el telar en el que tejer esta visión hiperrealista de una España deshilachada. Y es que no hay mejor manera de volverse a mirar en ese espejo de la historia que la risa. Una risa un tanto amarga que nos hace ver que después de 50 años pueden haber cambiado los hilos, pero el telar sigue siendo el mismo”. [Teatro Español: del 16 de junio al 26 julio]
LOS LUNES AL SOL
Foto: marcosGpunto
Considerada como una de las más importantes películas del cine español contemporáneo, Los lunes al sol se estrenó en 2002 y fue galardonada con múltiples premios. Su director, Fernando León de Aranoa, también escribió el guion junto a Ignacio del Moral, quien ahora ha decidido adaptar al teatro junto a Javier Hernández-Simón, que también la pone en escena interpretada por, entre otros, Marcial Álvarez, Fernando Cayo y Lidia Navarro.
A pesar de haber transcurrido más de dos décadas, Los lunes al sol muestra problemas que siguen estando de plena actualidad: la precariedad laboral, la pérdida de identidad que provoca el desempleo o las dificultades para mantener la esperanza.
Para Hernández-Simón, esta obra nos ofrece una esperanza, una línea en el horizonte para ayudarnos a seguir caminando. “En un mundo que tiende, cada vez más a la individualidad, este texto nos recuerda que debemos volver a mirarnos, a reconocernos, a apoyarnos, que sólo juntos podremos sacar el barco de la arena. Y volver a navegar hacia cualquier horizonte”. [Teatros del Canal: del 17 al 28 de junio]
LAKE MACHINE
Foto: Aureo Gómez
La bailarina y coreógrafa brasileña –afincada en Cantabria– Mari Paula reinventa con determinación y sensibilidad el universo clásico al que las mujeres se han visto encadenadas a lo largo de los siglos. Partiendo de la tradición del ballet y el teatro rescata a figuras icónicas: Odette y Odile, de El lago de los cisnes, u Ofelia, de Hamlet, para liberarlas de los roles de víctimas, locas o mártires a los que han sido condenados por los hombres que escribieron sus historias.
Lake Machine es una respuesta contemporánea y visceral a la lógica clasista, blanca y patriarcal que ha diseñado y perfilado estas obras desde hace más de 25 siglos. Pero no solo reescribe el destino de estos personajes, también representan un acto profundamente autobiográfico, donde la creadora confronta el duelo de sus tres hijas nacidas muertas y transforma esa experiencia íntima en una coreografía liberadora.
La música de Chaikovski y de José Venditti dialoga con la escena para abrir espacios donde el cuerpo femenino y sus múltiples identidades no solo existen, sino que reclaman presencia y reconocimiento. [Contemporánea Conde Duque: 18 y 19 de junio]
TACHÁN
Cincuenta años después del inicio de la Transición, el festival de artes vivas TACHÁN es un programa conformado por cinco piezas de 30 minutos de duración en las que conviven la danza, el teatro, la música y la performance. El público las verá de forma consecutiva, sin descanso ni transición entre ellas, como en una sesión continua de cine. Estas piezas están firmadas por creadoras y creadores de la escena contemporánea: Rodrigo García, Los Bárbaros, Los Voluble, Ben Attia y los bailarines y coreógrafos Juan Luis Matilla, Laura Morales, Paula Quintana y Teresa Garzón.
Comienza el programa con un prólogo a cargo de los bailarines con dirección de Los Voluble. Un primer movimiento o avance de la pieza con la que el dúo andaluz cierra el festival, en el que los cuatro intérpretes deconstruyen en escena las Sevillanas democráticas (1977), de Gente del pueblo, formación andaluza cuyas letras, en plena Transición, estaban atravesadas por una fuerte crítica política y social.
La compañía Los Bárbaros han creado Una celebración, una pieza que propone un diálogo entre la Constitución de entonces y la sociedad española contemporánea, y en que se pregunta: ¿saldríamos hoy a las calles a gritar lo que se gritó hace cincuenta años, sabiendo ahora cómo estamos?
El dramaturgo y director Rodrigo García crea Charles & Jorge Luis, una propuesta que pivota en torno a la figura del votante, reinterpreta la Teoría de la Evolución de Darwin y se nutre de las reflexiones sobre la democracia del escritor argentino Jorge Luis Borges. Por último, el artista granadino, de origen árabe Ben Attia explora en su creación Ysabel la construcción de la identidad nacional y las trayectorias migrantes que hoy la atraviesan. [Nave de Fomento del Museo del Ferrocarril: del 19 al 21 de junio]
CUCARACHA
Foto: Geraldine Leloutre
La dramaturga escocesa Sam Holcroft, galardonada con el Premio Windham-Campbell de Literatura, estrenó Cucaracha en 2008, y fue nominada a los Premios de la Crítica de Teatro de Escocia como Mejor Obra Revelación. La pieza es una intensa reflexión sobre la educación, la violencia y la deshumanización en tiempos de guerra.
Todo transcurre en el aula de una escuela secundaria moderna, aparentemente normal. Mientras la profesora, Beth, instruye a los alumnos, ellos comienzan a luchar en un conflicto, no especificado, que se libra en el mundo exterior. A pesar de que la profesora insiste en seguir con la preparación de los exámenes, poco a poco la violencia se cuela por las rendijas: en el lenguaje, en los cuerpos, en la manera en que los chicos se miran. La clase se convierte en un campo de entrenamiento emocional, y el aula en un lugar donde la normalidad ya no protege a nadie.
El director Julián Fuentes Reta se ha encargado de llevar a escena este original y visceral texto en el que la profesora está interpretada por Esther Acebo, que se alterna con Hiba Abouk, acompañada por Julio Peña, Lucía Díez, Miriam Queba, Nakarey y Javier Amann. [Teatros del Canal: del 20 al 28 de junio]
LAS TROYANAS
Foto: Jero Morales
Desde hace varios años, Jesús Cimarro, director del Festival de Mérida, presenta en Madrid algunos de los espectáculos más exitosos vistos en la última edición del festival. En esta ocasión, entre otros montajes, destaca Las troyanas, de Eurípides, adaptada por Isabel Ordaz y Carlota Ferrer, que también la interpretan junto a María Vázquez, Mina el Hammani y Cristóbal Suárez.
Escrita en el siglo V a C., esta tragedia es un grito contra la lógica de la conquista, una meditación sobre el sufrimiento que no genera épica, sobre el dolor que no tiene lugar en los relatos oficiales. Troya ha caído y todas sus mujeres y su reina, Hécuba, no esperan justicia ni redención: esperan su turno para ser entregadas como esclavas a los vencedores.
Para Carlota Ferrer, que dirige la producción, esta obra resuena como una advertencia. En cada conflicto contemporáneo, las mujeres y sus hijos siguen ocupando el lugar de las troyanas: cuerpos desarraigados, voces que nadie quiere escuchar, vidas que desaparecen entre las estadísticas del horror. [Teatro de La Latina: del 24 al 28 de junio]
BOGOTÁ
Premiada en la Bienal de la danza de Venecia en 2023, Bogotá es una pieza de danza contemporánea y performance creada por la compañía Andrea Peña & Artists. Interpretada por nueve artistas, la obra es una contemplación sobre la muerte y la resurrección, que va más allá de una definición tradicional o lineal de la muerte, centrándose en cambio en las transformaciones espirituales, corporales, sociales y culturales siempre presentes en el paisaje de la capital de Colombia.
Nacida en Bogotá, Andrea Peña es una coreógrafa y diseñadora afincada en Canadá donde fundó, en 2014, la compañía Andrea Peña & Artists (AP&A). Desde entonces, la compañía ha estrenado ocho espectáculos de danza contemporánea que fusionan movimiento, diseño, sonido y entornos inmersivos, que han representado en Europa, Canadá y Latinoamérica.
En Bogotá muestran un paisaje contemporáneo en el que mutaciones de la mitología antigua, realismo mágico y arquitectura barroca se entrelazan para crear un mundo alternativo donde el cuerpo queer, la herencia política colombiana y los mundos posindustriales y poscoloniales convergen, a través de una experiencia cruda, estética y física de diseño y brutalidad. [Contemporánea Condeduque: 26 y 27 junio]
