La primavera ha llegado con un suculento banquete de propuestas internacionales encabezadas por una de las mejores y más prolíficas actrices del mundo, Isabelle Huppert, y por prestigiosos directores como Christoph Marthaler, Romeo Castelucci, Declan Donnellan y Falk Richter, que compartirán cartelera con Javier Molina, actual codirector del Actors Studio de Nueva York, el madrileño Ernesto Caballero o el peruano Juan Carlos Fisher. Las nuevas generaciones estarán representadas por las puestas en escena de Concha Delgado, Sandra Ferrús y Pablo Martínez Bravo.
Otros platos fuertes teatrales de este mes serán el monólogo que estrena José Sacristán con el que rinde homenaje a otro genio, Fernando Fernán Gómez, y el nuevo espectáculo musical de Ron Lalá, que revisita con humor la conquista de América.
En danza se podrá disfrutar con propuestas totalmente diferentes entre sí, que traen la creadora española Marina Mascarell, actual directora del Danish Dance Theatre de Copenhague, y Kader Attou, figura destacada del hip-hop francés que presenta una experiencia sensorial y onírica.
UTOPÍA EN LLAMAS
Foto: Bárbara Sánchez Palomero
«¡Que levante la mano quien esté contento esta noche!». Cinco hombres se levantan de sus butacas y se ponen a bailar al ritmo de una música techno a todo volumen. Entre copas y risas, se acercan a los espectadores entre los que estaban ocultos y les confiesan sus logros y desdichas: uno ha tenido un bebé, a otro le ha dejado la novia, otro está celebrando su cumpleaños… La fiesta crece y uno de ellos exclama: ¿Un Putopía o qué?
Así comienza Utopía en llamas, un texto de Alda Lozano, que también interpreta, puesto en escena por Concha Delgado y Sandra Ferrús. Este montaje nos traslada hasta el Utopía, un local situado en el kilómetro cinco de la carretera del polígono, y relata en forma de collage la tragedia contemporánea de las mujeres que son víctimas de la trata humana. Todas ellas tienen un punto en común: la pobreza.
Las directoras cuenta que, cuanto más se ahonda en el tema, más incógnitas surgen: “¿Qué le pasa al cuerpo, al alma, a la mente de la niña, de la mujer que es explotada? ¿Qué le pasa al cuerpo, al alma, a la mente del hombre que explota a una niña, a una mujer? ¿Qué nos pasa a la sociedad, qué hacemos con esto? ¿La pobreza deshumaniza? ¿La pobreza nos aleja a millones de kilómetros de la empatía?» Muchas preguntas, pocas respuestas. Y la necesidad de compartirlas. [Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional / Sala de la Princesa: hasta el 26 de abril]
TRAS EL ENSAYO
Foto: Javier Naval
Ingmar Bergman escribió en 1984 Tras el ensayo, una obra íntima y penetrante que explora las fronteras entre la vida y el arte, la memoria y el deseo. En un escenario vacío tras un ensayo teatral, el veterano director Henrik Vogler, al que da vida Emilio Tomé, se queda solo, reflexionando sobre su carrera y sus obsesiones, hasta que es interrumpido por la llegada inesperada de dos mujeres, una apasionada y joven actriz, interpretada por Elisa Hipólito, dispuesta a sacrificar todo por el arte, y Rachel, interpretada por Lucía Quintana, una mujer alcohólica y neurótica que ha sido su amante.
Ernesto Caballero firma la versión y dirección de esta obra que, bajo una apariencia escénica sobria, alberga una complejidad emocional y simbólica de gran densidad. Según palabras del director, en este texto Bergman se proyecta con crudeza y lucidez en su alter ego Vogler, para enfrentarse a los fantasmas del arte, del tiempo y la memoria.
Caballero manifiesta que ha optado por una puesta en escena austera, centrada en el trabajo actoral, que permita a los intérpretes moverse en ese territorio incierto donde el rol asumido y la persona real se confunden, esa frontera porosa entre la ficción y la vida: “Porque al final de ese ensayo lo que queda es la verdad desnuda de lo vivido”. [Teatro Español / Sala Margarita Xirgu: del 4 de abril al 17 de mayo]
THE SUMMIT
Foto: Mathias Horm
El director de escena y compositor suizo Christoph Marthaler está considerado uno de los creadores más singulares del teatro contemporáneo europeo. Inicialmente formado como músico y flautista, tras el Mayo francés de 1968, se unió a la escuela de arte dramático de Jacques Lecoq en París. En 1980, creó su primer espectáculo, y desde entonces ha construido un universo escénico inconfundible, lleno de personajes desubicados, situaciones absurdas y paisajes sonoros cargados de nostalgia.
En mayo de 2025 estrenó su última creación, The Summit, en el Théâtre Vidy Lausanne, uno de los centros europeos que más han apoyado su trabajo. En esta propuesta, Marthaler utiliza a seis personas que se encuentran en un refugio en la montaña. No sabemos cómo han llegado allí ni que esperan. Parece que se encuentran en una cumbre y deben tomar decisiones, pero hablan distintos idiomas y unas veces se entienden y otras no.
Aunque la obra puede recordar a la política europea, Marthaler insiste en que no pretende hacer teatro explícitamente político. Dice que pretende mostrar situaciones e imágenes para que el público piense por sí mismo. Este espectáculo se representa en francés, inglés, italiano y alemán con sobretítulos en castellano. [Teatros del Canal: 4 y 5 de abril]
BLOODY MOON
Foto: Jubal Battisti
La bailarina y coreógrafa española Marina Mascarell es una de nuestras creadoras más internacionales; toda su carrera se ha desarrollado en Países Bajos, Dinamarca, Suecia, Francia y Alemania. Comenzó como bailarina en el Nederlands Dans Theatre, y más tarde se incorporó al Cedar Lake Contemporary Ballet de Nueva York.
En 2011 decidió dedicarse únicamente a la coreografías y comenzó a crear piezas para prestigiosas compañías como el Ballet de la Ópera de Lyon, el Nederlands Dans Theatre, el Scapino Ballet o la Compañía de Danza de Sídney. En 2023 fue nombrada directora artística del Danish Dance Theatre de Copenhague, compañía con la que se presentó, con gran éxito, el año pasado en Madrid.
Ahora vuelve con Bloody Moon, inspirada en la obra Eroticism, del filósofo Georges Bataille. Esta nueva pieza de Mascarell, creada en colaboración con los bailarines, explora la relación entre deseo, instinto y vida colectiva. A través de movimientos intensos, los bailarines muestran cómo los seres humanos oscilan entre las normas sociales y los impulsos primarios, en una especie de ritual físico que celebra la energía vital. [Centro Danza Matadero: 9, 10 y 11 de abril]
LO QUE QUEDA
Foto: Luisa Valares
Chevi Muraday comenzó su formación como bailarín, en 1985, con Carmen Senra y prosiguió sus estudios en la escuela de Martha Graham de Nueva York, en Londres y en Frankfurt. Debutó profesionalmente en 1989 en la Compañía de Carmen Senra, y tres años más tarde consiguió el Premio al Mejor Bailarín en el Certamen Coreográfico de Madrid.
En 1997, decidió poner en pie su propia compañía, Losdedae, con el propósito de generar movimiento en torno a la danza contemporánea, trabajando siempre con una base dramatúrgica que le ha permitido profundizar en la investigación fronteriza de la creación con otras disciplinas. Entre las múltiples coreografías que ha estrenado, destacan las creadas para actrices como Aitana Sánchez-Gijón, Cayetana Guillén Cuervo, Marta Etura y Juana Acosta, para el actor Ernesto Alterio y para el escritor Alejandro Palomas.
Para celebrar los 30 años de trayectoria de Losdedae, Muraday ha creado, e interpreta, Lo que queda, inspirada en los cinco ciclos de la luna. La pieza es una metáfora del tiempo, de la resiliencia artística y del renacer constante. Una celebración que no huye del cansancio ni de la duda pero que, sobre todo, se afirma con alegría, madurez y futuro. [Sala Cuarta Pared: 9, 10 y 11 de abril]
LAS GRATITUDES
Foto: Javier Naval
La escritora y guionista Delphine de Vigan, considerada una de las autoras vivas más leídas y premiadas de la literatura francesa, escribió en 2019 la exitosa novela Las gratitudes, y cuatro años más tarde se estrenaba en París adaptada al teatro. Ahora, la versión en castellano, firmada por la dramaturga argentina Marta Betoldi, llega dirigida por Juan Carlos Fisher e interpretada por Gloria Muñoz, Macarena Sanz y Rómulo Assereto.
Las gratitudes, texto centrado en la memoria, la vejez y la importancia de agradecer a quienes nos ayudaron en la vida, cuenta la historia de Michka, una mujer mayor que empieza a sufrir problemas neurológicos que le hacen perder la palabra. Debido a su deterioro cognitivo, tiene que ingresar en una residencia. Allí solo mantendrá relación con Mari, una joven vecina a la que crio la anciana, y con Jérôme, el logopeda que intenta ayudarla a recuperar la voz.
Mientras se le escapan las palabras, Mirsha solo tiene un último deseo: encontrar a una pareja que la salvó cuando era niña durante la Segunda Guerra Mundial para darle la gracias. [Teatro de La Abadía: del 9 de abril al 10 de mayo]
BÉRÉNICE
Foto: Jean-Michel Blasco
El director de culto Romeo Castelucci transforma el clásico Bérénice, de Jean Racine, en un monólogo protagonizado por una de las grandes actrices francesas de fama mundial, Isabelle Huppert. Considerada como una de las tragedias más inquietantes, dos amantes deben separarse por el bien del estado. El emperador romano Tito se enamora de la reina judía Bérénice, sin embargo, las leyes de Roma le prohíben casarse con ella. La situación se complica más cuando el amigo de Tito, el rey Antíoco, también confiesa su amor por Bérénice.
Para Castelucci, esta obra es probablemente la tragedia más inmóvil, estática e inquietante jamás concebida. Y sin embargo, nos hace llorar. Cuando comenzó a planificar el montaje, de inmediato pensó que Isabelle Huppert era la actriz esencial para el proyecto, ya que es una intérprete sin límites. “En el escenario, como una estrella fija, una sola actriz encarna a la reina judía: Isabelle Huppert, la sinécdoque del arte de actuar en el teatro occidental«, afirma Castelucci. «Ella es la actriz, pero también el actor; ella es el propio teatro”. Este espectáculo se representa en francés con sobretítulos en castellano. [Teatros del Canal: 10, 11 y 12 abril]
THE SILENCE
Foto: Gianmarco Bresadola
El autor y director alemán Falk Richter estrenó hace tres años, en la Schaubühne de Berlín, la obra de autoficción The Silence, con la que profundiza en su historia familiar. Su padre falleció antes de que pudiera tener una conversación reconciliadora. A través de un diálogo con su madre, una madre que no mostró compasión cuando su hijo fue víctima de un ataque homófobo, Richter se centra en verdades que han permanecido ocultas durante décadas, secretos reprimidos y traumas sin resolver que aún lo atormenta.
El actor Dimitrij Schaad da vida al autor y director en este potente texto que reflexiona sobre cómo los silencios en las familias, en las relaciones o en la sociedad pueden perpetuar el dolor y la exclusión. Con un lenguaje directo y confesional, Richter plantea que romper esos silencios es un paso necesario para comprender el pasado, sanar las heridas y construir relaciones más honestas. Este espectáculo se representa en alemán con sobretítulos en castellano. [Teatro Valle-Inclán: 10, 11 y 12 abril]
PANORAMA DESDE EL PUENTE
Foto: Gerardo Sanz
La historia transcurre en los años 50 del siglo pasado en el barrio portuario de Brooklyn (Nueva York). Allí vive Eddie Carbone con su esposa y su sobrina, a la que ha criado como una hija. Un día llegan a la casa dos inmigrantes ilegales, primos de la esposa, que buscan refugio y trabajo. Uno de ellos comienza un romance con la sobrina, y Eddie, consumido por los celos y una obsesión desatada por su sobrina, tomará decisiones que desembocarán en una tragedia.
El dramaturgo estadounidense Arthur Miller escribió Panorama desde el puente en 1955, y se estrenó con gran éxito de crítica y público en Broadway. Es una de las obras más representadas de Miller, y prestigiosos directores como Peter Brook o Luchino Visconti la han puesto en escena en Francia e Italia. En España se ha visto en varios montajes firmados, entre otros, por José Luis Alonso y Miguel Narros.
Esta tragedia moderna de carácter realista vuelve a escena en versión del dramaturgo Eduardo Galán, con el actor José Luis García Pérez dando vida a Carbone y María Adánez interpretando a su mujer, dirigidos por Javier Molina, actual codirector del prestigioso Actors Studio de Nueva York. [Teatro Fernán Gómez: del 16 de abril al 17 de mayo]
LE MURMURE DES SONGES
Foto: Damien Bourletsis
Bailarín y coreógrafo francés, Kader Attou es una figura destacada del hip-hop. Reconocido como un fenómeno único en Francia, Attou ha contribuido a transformar el hip-hop, dando origen a un estilo de danza típicamente francesa. Desde sus inicios consideró el hip-hop como una disciplina de arte e investigación, pero también–y esto es lo que la hace única– como una forma de dar testimonio de cómo reflexionar sobre cuestiones sociales.
En 1989 fundó la Compagnia Accrorap, y desde entonces ha presentado una serie de propuestas que aglutinan varias disciplinas como el circo, la danza contemporánea e india, las artes visuales y la música tradicional árabe, clásica, hip-hop y electroacústica.
Les Murmure des Songes es una experiencia sensorial y onírica, un viaje por los paisajes secretos de la memoria, los recuerdos olvidados, los olores de la infancia y los objetos que habitan los rincones más íntimos de nuestra emoción. En escena, cuatro artistas nos conducen por un camino poblado de criaturas imposibles, donde la danza se entrelaza con música, ilustración y videoarte. [Teatros del Canal: 17 y 18 de abril]
LA DECONQUISTA
Foto: David Ruiz
Ron Lalá es una compañía de teatro de humor con música en directo. Fundada en Madrid en 1996, sus obras proponen un trabajo colectivo en el que sus componentes combinan música con textos originales sobre diversos temas, desde la actualidad hasta obras clásicas de la literatura, con un lenguaje escénico propio a menudo basado en el humor crítico y satírico.
La deconquista es su última creación colectiva, con dramaturgia y letras de Álvaro Tato y dirección de Yayo Cáceres. Esta propuesta revisa con humor la historia del descubrimiento y la conquista de América. Tres náufragos viajan rumbo al Nuevo Mundo: el capitán Galán, que busca la gloria, el marino Fulano, que busca oro, y el misionero Fray Pío, que quiere convertir almas.
Mientras viven aventuras en el mar y en tierras desconocidas, dos cronistas registran sus peripecias, y poco a poco los espectadores irán descubriendo que nadie es quien dice ser y nada es exactamente lo que parece. [Teatro Infanta Isabel: del 22 de abril al 24 de mayo]
GUAYOMINI
Foto: Geraldine Leloutre
Tras ganar un concurso nacional de canción, Roy es seleccionado para participar en la final de un importante concurso europeo. En plena actuación se queda en blanco en el escenario. A partir de ese momento, la obra explora el miedo al fracaso, la presión del éxito y la identidad personal en una sociedad que siempre exige resultados.
Guayomini, escrita por Laura Garmo y puesta en escena por Pablo Martínez Bravo, es un proyecto de dirección y autoría novel de Nave 10 Matadero. Interpretada por Omar Banana, Inma Cuevas, Zack Gómez-Rolls, Selu Nieto y Julia Rubio, el texto combina teatro con elementos musicales y estética pop.
Como en anteriores propuestas, Garmo utiliza el teatro para hablar de temas duros pero actuales. Cuenta la autora: “La obra viene a recordar que la vida no es solo un concurso de talentos, y habla sobre la naturalidad del éxito y el fracaso, y también sobre la necesidad de seguir en la búsqueda de algo que nos satisfaga o nos consuele». [Nave 10 Matadero: del 24 de abril al 17 de mayo]
EL HIJO DE LA CÓMICA
Foto: Diego Miranda
A sus 88 años, José Sacristán sigue demostrando que es uno de nuestros grandes actores. Tras asegurar, hace seis años, que se retiraría del teatro después de interpretar Señora de rojo con fondo gris, monólogo basado en la novela de Miguel Delibes, sigue sin bajarse del escenario. Ahora interpreta El hijo de la cómica, que él mismo ha escrito y dirigido, basado en las memorias de Fernando Fernán Gómez, El tiempo amarillo.
En este monólogo, un hombre recuerda su infancia y su juventud en el mundo del teatro ambulante y mezcla memoria, nostalgia y amor por el escenario. Poco a poco, Sacristán va interpretando todos estos recuerdos y personajes desde la mirada del protagonista.
Sobre esta puesta en escena, Sacristán cuenta: “Durante unos cuantos años tuve el privilegio de estar cerca de Fernán Gómez y escucharle, entre otras historias, la de su bisabuela “la rubia”, de la que heredó el color del pelo, y la de Carolina, la abuela costurera que cuidó su infancia, como mi abuela cuidó de la mía. Intercambiamos y compartimos coincidencias en otras historias. Historias de supervivencia, de ausencias, miedos, esperanzas y sueños de libertad”.
Y prosigue: “Firme, orgullosamente resuelta en su melancolía, sonaba la voz de Fernando al recordar aquellos tiempos. Ahora confío en que vosotros me escuchéis con la misma o parecida emoción con que yo le escuchaba a él, el nieto de la costurera, el hijo de la cómica”. [Teatro Bellas Artes: del 29 de abril al 28 de junio]
YO SOLO QUIERO IRME A FRANCIA
Foto: Geraldine Leloutre
Tras años de ausencia, Pilar regresa a la casa familiar para el entierro de su abuela. Inés, una joven desconocida, aparece con una carta notarial y una herencia inesperada. Estas dos mujeres, que no se conocen, descubren que sus vidas están unidas por una historia familiar que se remonta a la Guerra Civil española y la posguerra. A medida que avanza el encuentro, salen a la luz silencios, culpas y verdades ocultas que obligan a estas mujeres a enfrentarse a su propia memoria.
Yo solo quiero irme a Francia es la ópera prima de la actriz Elisabeth Larena, que también la dirige, interpretada por María Galiana, Nieve de Medina, Anna Mayo y María Roja. La obra está inspirada en historias y recuerdos ligados a la memoria familiar de la autora. A partir de esos recuerdos de su abuela, construye un relato en donde los personajes intentan comprender el pasado para poder reconciliarse con el presente.
Para Elisabeth Larena, el deseo de “irse a Francia” funciona como una metáfora: «La necesidad de escapar, de encontrar un lugar donde empezar de nuevo y liberarse del peso de la historia”. [Teatro Pavón: del 29 abril al 24 de mayo]
MEDEA
Foto: Stefan Zdraveski
El prestigioso director Declan Donnellan, tras presentar sus creaciones de Edipo, con el Teatro Nacional de Croacia, y Hamlet, con el Teatro Nacional de Bulgaria, vuelve con Medea, de Eurípides, también interpretada por el Teatro Nacional de Bulgaria.
En esta puesta en escena vuelve a romper con el teatro frontal tradicional y coloca al público en el escenario, rodeando a los actores. Esta disposición convierte la representación en algo inmediato e incómodo, ya que los espectadores participan como testigos o cómplices de lo que ocurre.
En su aproximación a Medea, Donnellan no busca ofrecer una lectura intelectual del mito de Eurípides, sino sumergir al espectador en una experiencia profundamente humana. Para el director, el teatro no debe centrarse en ideas abstractas, sino en las personas: en sus emociones, contradicciones y conflictos. Medea no aparece como un símbolo lejano o una figura monstruosa, sino como un ser humano herido, atravesado por la traición, el exilio y la pérdida. Este espectáculo se representa en búlgaro con sobretítulos en castellano. [Teatros del Canal: del 30 de abril al 3 de mayo]
