Museo Cerralbo (Madrid)
Filip Custic. ‘Porque hacemos lo q hacemos?’
Estudio de guerrero derrotado (2021)
Convertido en todo un fenómeno generacional (y pocas veces un artista plástico lo logra), gracias entre otras cosas a sus colaboraciones y amistad con Arca o Rosalía (presentes en esta exposición), Filip Custic es probablemente uno de los artistas que mejor han captado la nueva sociedad digital y los dilemas que para los jóvenes ha traído aparejados: dudas en la conformación de una identidad (estética, política, sexual, etc.) o desprecio absoluto por alcanzar esa seguridad; autorreferencialidad y narcisismo en la construcción social, y la posibilidad efectiva de cambiar el mundo desde posturas de extrema individualización.
En esta su primera muestra en Madrid, dentro del festival PhotoESPAÑA 24, escultura, fotografía e imagen digital, vídeo y performance se dan la mano, e incluso el diseño comercial aparece en forma de bolso intervenido con pantallas, todo bajo la omnipresencia de Custic y su máscara-casco autorretrato, un camino casi mesiánico en sus atributos, realizado con el descaro de la juventud y una probada capacidad técnica y plástica.
[Hasta el 29 de septiembre. Más info en phe.es]
CAC Málaga (MÁLAGA)
Matías Sánchez. ‘La gloria es otra cosa’
Flamenca (2024)
Uno de los representantes más singulares de la llamada ‘escuela sevillana’ de la pintura actual española (pintores nacidos en los setenta), Matías Sánchez utiliza la sátira y lo grotesco como ningún otro pintor en el mundo, en un universo único que apenas comparte con otra pintora, su pareja en la vida real, Cristina Lama, y con matices.
Esta pintura a la vez informal y elegante, feísta pero milimétricamente compuesta, llena de personajes que aluden a una visión negra de España, lo enlaza directamente con la tradición del esperpento y la visión goyesca, pero también con una nueva no objetividad contemporánea netamente española, que aprovecha la caricatura y las referencias al arte, la ilustración y el cómic anteriores para mostrar una incisiva mirada al hoy.
[Hasta el 1 de septiembre. Más info en cacmalaga.eu]
MOCO MUSEUM (Barcelona)
Robbie Williams. ‘Confesiones de una mente abarrotada’
La sede barcelonesa del Moco Museum ha presentado en exclusiva mundial la segunda exposición de la obra artística de uno de los grandes mitos del pop británico. Más allá de cualquier maledicencia sobre por qué a Robbie Williams le ha dado por pintar, estas obras –en su mayoría pinturas que utilizan recursos puros y sencillos de la comunicación gráfica, y con muy buena mano– describen esquemáticamente el exceso de runrún mental que satura las cabezas de la sociedad actual: un ejemplo del alcance de las neurosis contemporáneas.
Incluye hasta pensamientos que le han pasado a él, obviamente, como: “Este tío me mira como si me quisiera follar”. La cosa va efectivamente de salud mental, y el bueno de Robbie ha expresado que espera de esta exposición que “aliente a las personas a conocerse y expresar su verdad”.
[Hasta el 20 de noviembre. Más info en mocomuseum.com]
IVAM (Valencia)
Francesca Woodman y Julia Margaret Cameron. ‘Retratos para soñar’
Francesca Woodman: Untitled (1979-80)
Dos de las más grandes fotógrafas de la historia, juntas en una exposición, pese a que sus trabajos están separados por más de cien años. A falta de una historiografía seria de la participación femenina en el arte, indudable pero oculta, al menos el arte fotográfico cuenta con una indiscutible pionera: Julia Margaret Cameron. Obsesiva retratista de su entorno familiar y social, comenzó en la fotografía a sus 49 años (hacia 1860) y jamás fue admitida en los recién creados círculos profesionales fotográficos por su descuidada técnica, se dijo entonces, pese a que con ella inventó prácticamente el efecto flou.
A su lado, otra obsesiva retratista, la joven Francesca Woodman, que se suicidó en 1981, a los 22 años, dejando un legado de fotografías que eran casi un diario personal y la constatación palpable de la creación de una identidad femenina consciente. Dos visiones, una en la segunda ola feminista y otra en lo más duro de la batalla de la tercera, que por fin dialogan en una institución.
[Hasta el 20 de octubre. Más info en ivam.es]
Asturias – Centro Niemeyer
‘Goya: ni más, ni menos’
El 2 de mayo de 1808 en Madrid o La carga de los mamelucos, de Goya.
Después de que, en 2018, se hicieran públicas unas cartas desconocidas que Goya envió a su amigo íntimo de la infancia, el acaudalado comerciante ilustrado Martín Zapater (que nunca se casó), donde le dibujaba penes y corazones henchidos y se mostraba “inflamado de amor”, podemos incorporar al maestro aragonés a esa larga lista de orgullosos genios homo o bisexuales de todos los tiempos.
Esta exposición en Niemeyer junta obras capitales de Goya (sobre todo dibujos y grabados) con las de una larga lista de artistas posteriores claramente influidos por él: Zuloaga, Romero de Torres, Millares, Saura, Picasso, Botero, Darío Villalba o incluso Paula Rego o Amalia Alvia.
[Hasta el 22 de septiembre. Más info en centroniemeyer.es]
Palma de Mallorca – Es Baluard
Ana Laura Aláez. ‘Soy Palacio / Soy Establo’
Una de las grandes voces de la escultura internacional actual es esta vasca hoy residente en Mallorca, y resiliente como pocas. Su particular visión encontró furibundas críticas en sus comienzos, precisamente por hablar de elementos básicos que se tomaban entonces casi como tabú: la idea de lo femenino en el espacio en contraposición a una práctica escultórica definida desde hace siglos en términos masculinos y patriarcales.
A certeza, peso, precisión, fuerza y seguridad, ella antepuso otros principios: incertidumbre, ligereza, ambigüedad, vulnerabilidad y divergencia. En esta última exposición, que recoge piezas desde 2018, Ana Laura Aláez trabaja tanto con materiales rústicos como industriales, y evidencia el cuerpo humano (una de las bases de su trabajo) sin mostrarlo en absoluto, o mostrándolo referido en constantes y sutiles alusiones.
[Hasta el 1 de septiembre. Más info en esbaluard.org]
Bilbao – Museo Guggenheim
Yoshitomo Nara
Otro que también fue criticado al principio de su carrera: Yoshitomo Nara debutó a principios de los años 90, trasponiendo al lienzo de grandes dimensiones esas figuras blandas e infantiles, vinculadas obviamente al kawai, la corriente pop nipona que se basa en la dulzura y lo amable, inevitables en el marketing de producto local.
Pero claro: surgido de un trasfondo posmoderno que no rechazaba ciertas formas del punk y el arte urbano más contestatario, Nara satirizaba el kawai con rostros de niños que expresaban sin embargo enfado, ira, soberbia o pura maldad. Lo que han pasado por encima la decena de artistas que hoy lo siguen, por no decir que lo interpelan o plagian, alguno español, que se complacen precisamente en esa ingenua cursilería que él rechazó.
Aunque con los años Nara ha ido volviendo sus figuras más introvertidas, nostálgicas y reflexivas (incluso tristes), permanecen esos valores a la contra, y esta antológica con grandes obras pictóricas y escultóricas así lo demuestra. El Guggenheim, además, acaba de recibir la distinción Queer Destinations Committed, con lo que siéntete muy segure en sus instalaciones.
[Hasta el 3 de noviembre. Más info en guggenheim-bilbao.eus]
Ibiza – La Carpintería – Fundació Ses Dotze Naus
Hauptmeier & Recker. ‘Hydro Logical’
Nacidos a principios de los noventa, el dúo alemán formado por Paul Hauptmeier y MartinRecker lleva algunos años sorprendiendo por sus composiciones musicales, pero también por sus instalaciones tecnológicas donde sonido y luz se funden en experiencias inmersivas. Han realizado desde instalaciones hasta óperas, y participado en la Biennale de la Música de Venezia.
Hydro Logical, fruto de una residencia artística en la isla, propone un recorrido a través de un circuito cerrado de agua controlado por ordenador, que brota tanto en líquido como en luz y audio. Una instalación sonora que es a la vez una experiencia estética de vanguardia, y una inmersión sensorial para ilustrar la interdependencia ecológica, social y cultural de un elemento imprescindible para la vida.
[Hasta el 15 de septiembre. Más info en ses12naus.org]
Cádiz – Casa de Iberoamérica
Marina Anaya. ‘Los Caribe’
Copelia
Con un estilo colorido, geométrico y vibrante, la madrileña Marina Anaya es una pintora e ilustradora que se maneja bien tanto en el campo editorial como en el del arte contemporáneo, e incluso en los diseños aplicados al textil y la cerámica.
En Los Caribe presenta una última serie de lienzos dedicado a las Antillas, inspirado por sus viajes y recuerdos, centrándose en la sensualidad y la belleza de sus gentes y su naturaleza. La visión, que se aleja voluntariamente de conflictos y pobreza, utiliza inteligentemente las tradiciones pictóricas propias de la zona (desde lo naíf a algunos rasgos del neoconcretismo iberoamericano) y se contempla como una agradable selección de estampas veraniegas muy ad hoc: una forma de viajar y enamorarse sin más complicaciones que la visita a un museo.
[Hasta el 5 de octubre. Más info en casadeiberoamerica.es]
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