Dentro de los estrenos teatrales de mayo hay un amplio abanico de propuestas. Desde un divertido clásico de Lope de Vega hasta una pieza de uno de los autores más relevantes de los últimos veinte años, Juan Mayorga, pasando por la adaptación de una novela de Blasco Ibáñez o las últimas creaciones de las jóvenes autoras María Velasco, Lucia Miranda, Carolina África, María Folguera o Beatriz Jaén.
Cinco propuestas de danza se pueden disfrutar a lo largo del mes, y dos son de compañías extranjeras: el Real Ballet de Suecia, que interpreta Julieta y Romeo, una reinterpretación muy personal y contemporánea creada por Mats Ek del clásico de Shakespeare, y el Staatsballett Hannover, dirigido por el madrileño Goyo Montero. Los otros espectáculos son el nuevo programa que estrena la Compañía Nacional de Danza, la última creación de la veterana Sol Picó –en donde fusiona danza contemporánea, ballet clásico y flamenco– y la revolucionaria pieza de Alberto Velasco con la que reivindica la presencia de cuerpos diversos sobre el escenario.
SAÚL Y LA NOCHE
Foto: Bentor Alvelo
Cuando nuestra democracia está a punto de cumplir 50 años, este espectáculo quiere acercarse a todos esos jóvenes que sienten interés y simpatía por partidos políticos y personajes públicos que abanderan principios fascistas e idealizan la España opresiva de la dictadura militar. Para comprender mejor la complejidad del asunto, la acción de Saúl y la noche está planteada en el día a día de una familia. Una familia formada por una madre, un padre y un hijo adolescente.
Con dramaturgia de Beatriz Jaén y Pepa Zaragoza, dirigida por la primera e interpretada por la segunda junto a Daniel Moreno y Marc Romero, la obra plantea una serie de preguntas: ¿Cómo se escucha y se acompaña a un adolescente que busca en la radicalización de su pensamiento un sello de identidad? ¿Cómo y por qué han calado discursos de odio en una parte de la población tan joven? ¿Qué podemos hacer con el tono tan agresivo de los medios y las redes que manipulan a jóvenes que aún están consolidando su personalidad? [Teatro del Barrio: del 6 al 10 de mayo]
GOLDBERG
Foto: Jesús Vallinas
Goyo Montero (Madrid 1975), tras formarse en el Conservatorio de Danza de Madrid y con Carmen Roche, comenzó profesionalmente a los 17 años como bailarín en el English National Ballet. Sin embargo, la mayor parte de su carrera la ha desarrollado en Alemania. En la década de los dos mil empezó a destacar como coreógrafo, y desde entonces ha firmado más de 50 obras.
Tras permanecer 17 años como director del Ballet del Staatstheater de Nürnberg, el año pasado fue nombrado director artístico y coreógrafo del Staatsballett Hannover, compuesto por 28 excelentes bailarines. Precisamente con esta compañía llega a Madrid para presentar Goldberg, considerada como una de sus grandes creaciones.
En esta pieza poética y virtuosa, Montero utiliza las Variaciones Goldberg de J.S. Bach, fusionadas con nuevas composiciones del canadiense Owen Belton, para explorar la danza a través de solos, dúos, tríos y piezas de conjunto. El tema y las variaciones, la transformación y el retorno dan estructura a la secuencia de escenas. Al final, despertamos de un sueño, cambiados y conmovidos, y aún resonando con sus ecos. [Centro Danza Matadero: del 7 al 9 de mayo]
ESE RUIDO ES UN ANIMAL
Foto: Alberto Mateo
El pasado mes de enero, la dramaturga y directora María Velasco –Premio Nacional de Literatura Dramática 2024– estaba a punto de presentar su última creación, Ese ruido es un animal. Pero uno de los actores sufrió un accidente y tuvieron que suspender. Ahora, por fin estrena esta propuesta en la que una de las referencias en la llamada “peste de la danza”, un fenómeno documentado en Europa entre la Edad Media y el Renacimiento, en el que grupos enteros de personas bailaban hasta perder la conciencia o incluso la vida.
En escena descubrimos a un grupo de jóvenes que acuden a un festival de música buscando desconectar del mundo y vivir su momento. Lo que debería durar unas horas se convierte en un encierro inesperado cuando estalla la pandemia y quedan encerrados durante semanas. La música y el baile se convertirán en una constante que los acompaña, mientras nacen nuevas amistades, estallan emociones y surgen muchos interrogantes acerca de un futuro incierto. [Sala Cuarta Pared: del 7 al 23 de mayo]
OJALÁ
Foto: Patricia Vargas
Paco Zarzoso, Lola López y Lluisa Cunillé fundaron hace tres décadas la Companyia Horgaresa de Teatre. Desde entonces, aparte de crear casi cincuenta espectáculos, han desarrollado una intensa formación pedagógica mediante laboratorios escénicos para jóvenes estudiantes, que les permiten crear propuestas teatrales completas, desde la dramaturgia hasta la interpretación y la exhibición profesional. Precisamente del último laboratorio nació el año pasado Ojalá, obra coral escrita por seis jóvenes: Daniel Cazacu, Irene Gallardo, Ángel García, Avril Gómez, Lorena Pérez y Xavier Rico, que también la interpretan bajo la dirección de Paco Zarzoso.
Un grito, un baile, una confesión. Un resquicio de esperanza. Seis jóvenes se enfrentan a los monstruos de su mente en un sótano reconvertido en el escenario de sus miedos, ansiedades y sueños más profundos. Entre lo real y lo delirante, lo íntimo y lo colectivo, la locura que crea y la que destruye, Ojalá explora la salud mental, el agotamiento emocional y el deseo de respirar en un mundo que asfixia. [Teatro Lagrada: del 7 al 10 de mayo]
JULIETA Y ROMEO
El Royal Swedish Ballet, fundado en 1773, es una de las compañías más antiguas del mundo, y un referente clave dentro del panorama europeo. Conformado por 70 bailarines, se abrió a un repertorio contemporáneo en 2007 bajo la dirección Johannes Öhman, que ha terminado de consolidar el actual director, Anders Hellström, con una programación muy equilibrada en la que conviven títulos como El lago de los cisnes con piezas del repertorio actual con coreógrafos como William Forsythe, Mats Ek u Ohad Naharin.
Para celebrar el 240 aniversario de la compañía, en 2013 se encargó a Mats Ek un ballet y decidió crear Julieta y Romeo, una reinterpretación muy personal y contemporánea del clásico de William Shakespeare. Rompe con la estética clásica para centrarse en lo psicológico, lo humano y lo social, y prescinde de la partitura de Prokófiev, sustituyéndola por una selección de piezas de Chaikovski.
Ek mezcla danza contemporánea con gestos cotidianos y una fuerte carga teatral. Los movimientos pueden parecer bruscos pero están llenos de intención emocional. Aquí Julieta no es una figura pasiva, es impulsiva, rebelde y profundamente humana. Su deseo de libertad tiene tanto peso como su amor por Romeo. [Teatro Real: del 7 al 10 de mayo]
LAS ÚLTIMAS
Foto ensayo: Bárbara Sánchez Palomero
La dramaturga y directora de escena Lucía Miranda creó en 2010, en Nueva York, The Cross Border Proyect con la intención de hacer teatro que no solo se vea, sino que sirva para entender y transformar la realidad en la que vivimos. Con su primer proyecto, De Fuenteovejuna a Ciudad Juárez, consiguió el Premio Ace al mejor espectáculo en español en Nueva York. Desde entonces ha presentado siete montajes, entre los que destacan Fiesta, fiesta, fiesta, y la adaptación teatral de la novela de Carmen Martín Gaite Caperucita en Manhattan.
Las últimas es la nueva propuesta de Lucía Miranda, que habla de la historia en común entre Filipinas y España, de la herencia y de qué hacemos con ella. En escena encontramos a Imelda Marcos y Carmen Polo en un cóctel en El Pardo, una exposición muy particular en el Palacio de Cristal del Retiro, Sor Jerónima de la Asunción y sus monjas embarcadas en un galeón… y de pronto aparece Magallanes, el conquistador, ¿o es Julio Iglesias?
Sobre esta creación, Lucia Miranda cuenta: “Es, sin duda, mi obra más personal y también la que más investigación ha requerido (40 personas entrevistadas), es una mezcla entre teatro documental muy puro y la especulación ficticia más loca”. [Teatro María Guerrero: del 12 de mayo al 21 de junio]
UNA BUENA VIDA
Foto ensayo: Bárbara Sánchez Palomero
Una mujer en recuperación posparto se ve obligada a pasar diez días en un hospital público, separada de su bebé recién nacido debido a circunstancias excepcionales. Durante su estancia, comparte habitación con Teresa, una octogenaria con demencia avanzada y con una fractura de cadera que no habla, pero grita, y con un enfermero de la sanidad pública que las cuida a ambas con igual ternura y dedicación.
En esta relación triangular comparten recuerdos hermosos y feroces padecimientos, estallarán afectos, emociones y sonrisas, y se revelarán secretos y culpas inconfesables. Amor, humor y esperanza en tiempos de apagones y tormentas. Una oda a la intimidad y la ternura en la búsqueda de vivir ‘una buena vida’.
La dramaturga, actriz y directora Carolina África estrena su última obra, que también pone en escena e interpreta junto a Jorge Kent y Ahimsa. Sobre este texto, su autora dice: “Con el mundo patas arriba, guerras, tanto visibles como invisibles y tormentas con nombre propio que azotan las ciudades, pretendo que esta obra sea una oda a las historias humanas que se desarrollan en circunstancias difíciles, recordándonos la belleza de estar vivos”. [Teatro María Guerrero/Sala de la Princesa: del 13 de mayo al 21 de junio]
LA VENGADORA DE LAS MUJERES
Foto: Nani Gutiérrez
Laura, princesa de Bohemia, es una mujer de fuerte personalidad y muchos estudios, que menosprecia a los hombres y ha creado una escuela feminista para empoderar a las mujeres. Su hermano no puede casarse hasta que ella lo haga, pero Laura rechaza uno tras otro a los diferentes pretendientes y trata de demostrar que puede ser tan buena como cualquier hombre no solo en inteligencia, sino también en las armas. Puede que al final el amor derrote en parte su militancia, pero no será sin antes reclamar un mayor valor para las mujeres denunciando el trato injusto con que los hombres las han relegado.
La vengadora de las mujeres es una de las comedias menos conocidas de Lope de Vega. Entre los escasos montajes que se han hecho de este texto destaca el que presentó el Teatro del Temple en el año 2000, dirigido por Carlos Martín. Ahora, nuevamente, el Teatro del Temple, en colaboración con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, revisita esta divertida obra puesta en escena por Carlos Martín, e interpretada por Silvia de Pé, José Vicente Moirón, Secun de la Rosa, Itziar Miranda y Lorena Berdún, entre otros. [Teatro de La Comedia: del 14 al 31 de mayo]
LA CORDERO Y SU EJÉRCITO
Foto: Soledad Villalba
Desde hace 32 años, la bailarina y coreógrafa Sol Picó, al frente de su compañía, viene desarrollando una trayectoria muy reconocida dentro de la danza contemporánea, con más de 30 espectáculos innovadores y un estilo muy personal. Sus coreografías combinan danza, teatro y humor, todo aderezado con una fuerte carga visual y emocional. A lo largo de todos estos años ha recibido innumerables galardones, como el Premio Nacional de Danza, el Premio Ciudad de Barcelona, la Cruz de Sant Jordi y varios premios Max.
La cordero y su ejército es una pieza en la que fusiona la danza contemporánea, el ballet clásico y el flamenco para mostrarnos el paso de la fragilidad a la fuerza. A través de movimientos intensos y escenas simbólicas, la obra transmite emociones como la lucha, el cambio y la unión. No sigue una historia clara, sino que invita al espectador a sentir e interpretar lo que ocurre en el escenario. [Teatros del Canal: del 20 al 23 de mayo]
LA BARRACA
Foto: Javier Naval
La actriz y directora Magüi Mira pone en escena La barraca, basada en la novela naturalista escrita por Vicente Blasco Ibáñez en 1898, adaptada al teatro por Marta Torres. A través de la historia de Batiste y su familia, la obra muestra cómo el miedo, la tradición y el resentimiento puede arraigar en una comunidad hasta convertirla en un lugar hostil, donde el individuo queda completamente desprotegido.
Ambientada en un entorno rural, la pieza trasciende su contexto para hablar de conflictos universales: la exclusión, la lucha por la dignidad y la incapacidad de aceptar al otro. De lo cotidiano a lo trágico, la obra sitúa al espectador frente a una situación incómoda: cómo la presión del grupo puede justificar la injusticia. Para Magüi Mira, esta novela no cuenta una historia del pasado, sino algo profundamente actual, ya que habla de conflictos colectivos y de cómo resolverlos de forma destructiva. [Teatro Fernán Gómez: del 21 de mayo al 21 de junio]
STRUERE
Foto: Enrique Escorza
Muriel Romero fue nombrada directora artística de la Compañía Nacional de Danza en julio de 2024. Desde entonces, poco a poco, está cumpliendo su proyecto artístico presentado programas con múltiples estilos y lenguajes. Desde piezas de Marius Petipa hasta William Forsythe, pasando por George Balanchine o Johan Inger, sin olvidar las dos coreografías que ella creó para la compañía. Ahora da un paso más en su proyecto y presenta Struere, un programa concebido como una estructura en proceso, una construcción que se despliega en escena a través del encuentro entre cuerpos, lenguajes y sensibilidades.
Struere está conformado por dos propuestas, Tablero y Masa, creadas específicamente para la compañía. La primera está firmada por Mattia Russo & Antonio de Rosa, del colectivo Kor’sia, mientras que Masa es una creación de Luz Arcas, figura clave de la creación contemporánea española. Ambos universos dialogan desde perspectivas distintas pero complementarias, configurando un territorio compartido en donde los cuerpos se organizan, se afectan y se transforman. [Centro Danza Matadero: del 26 al 31 de mayo]
EL JARDÍN QUEMADO
Foto: Javier Naval
Juan Mayorga, considerado como uno de los dramaturgos españoles más relevantes de los últimos veinte años, actual director artístico del Teatro de La Abadía y del Corral de Comedias de Alcalá de Henares, escribió El jardín quemado a finales del siglo XX, y se publicó por primera vez en 2001. Desde entonces se ha reeditado en varias ocasiones, y en 2022 se estrenó por primera vez, dirigida por Rafael Rodríguez, en Canarias. Ahora es el propio autor quien la pone en escena, interpretada por Adriana Ozores, Loreto Mauleón, Jesús Barranco, Mariano Llorente, Miguel Hermoso y José Ramón Iglesias.
Durante la Guerra Civil, varios hombres sanos fueron ingresados en el sanatorio psiquiátrico de San Miguel. ¿Por qué? Muchos años después, Garay, el director del sanatorio, que ya lo era entonces, y Benet, su discípula más brillante, se enfrentan a aquel enigma.
En El jardín quemado aparecen dos asuntos fundamentales del teatro de Mayorga. Por un lado, la memoria y su dificultad de juzgar el pasado. “El pasado –ha dicho Mayorga– es imprevisible, está no menos abierto que el futuro y laten en él preguntas que pueden poner en peligro el presente que se arriesga a observarlo”. Por otro lado, la imaginación –y, con ella, el teatro– como vía de escape desde una realidad áspera, cruel, tal cual puede serlo la de los derrotados en una guerra. [Teatro de La Abadía: del 27 de mayo al 5 de julio]
LA CASA DEL MAR
El mundo de Aurora se desmorona tras recibir una llamada en la que se le informa de la muerte de su marido en un accidente. A punto de jubilarse, ve cómo el futuro que construyó a lo largo de toda una vida de pronto se desvanece. Por si esto fuera poco, descubre que su marido era un ludópata y la ha dejado en la más absoluta ruina. Sin saber qué hacer, decide refugiarse en una casa junto a un acantilado que habían comprado para envejecer juntos.
Allí conocerá a Laia, una joven que siempre ha vivido en aquel lugar. Lo que comienza con un encuentro fortuito pronto se convertirá en un vínculo inevitable. Estas dos mujeres descubrirán que el destino las ha unido por una razón y que, quizá, la clave para seguir adelante está en sus propias manos.
La casa del mar, de Tonet Ferrer y Jordi Lérida, interpretada por Miriam Díaz Aroca y Zoe Munera, es una obra que nació de la necesidad de poner voz al instante en que todo se rompe. En ese punto de quiebra en el que solo quedan dos caminos: hundirse o pedir ayuda. [Teatro Infanta Isabel: del 27 de mayo al 28 de junio]
UBÚ
Foto: Geraldine Leloutre
En 1896, el dramaturgo, novelista y poeta francés Alfred Jarry escribió Ubú Rey, una pieza considerada como de las más influyentes del teatro moderno por su carácter provocador, absurdo y satírico. La obra cuenta cómo Padre Ubú, un personaje grotesco, ambicioso y ridículo, es convencido por su mujer para asesinar al rey de Polonia. Una vez en el poder, se vuelve tiránico, corrupto y violento. Impone impuestos absurdos y ejecuta sin sentido a quien le viene en gana.
Casi siglo y medio después, este texto sigue en plena vigencia y, para demostrarlo, la autora María Folguera nos propone una versión contemporánea de este clásico, que dirige Hugo Nieto e interpretan Antonio Pagudo, Marta Guerras (que se alterna con Cristina Gallego), Dani Llull, Eduardo Mayo y Elena Lombao.
Según manifiesta María Folguera, esta versión parte del universo creado por Jarry, de forma leal pero libre. Si en el Ubú rey original se tramaba un complot contra el rey de Polonia, aquí se maquina desde el interior de un partido político. Papi Ubú y Mami Ubú, movidos por la codicia, se lanzan a una intriga de pasillos y despachos que acabará devorando las calles. Aviones de oro, zarinas rencorosas, leones imaginarios y un Papi Ubú, más bruto que un jabalí, empeñado en ser gran estadista. ¿Qué podría salir mal? [Nave 10 Matadero: del 28 de mayo al 21 de junio]
SACRESIZE
Foto: Adrián Nucelaar
El coreógrafo, actor, y creador escénico Alberto Velasco presenta Sacresize, una innovadora pieza coreográfica que sitúa en el centro de la escena a los cuerpos gordos, cuestionando los estándares tradicionales de la belleza en la danza y proponiendo una experiencia artística profundamente política y emocional.
Acompañado por Esperanza Guardado, Juanki Fernández, Carlota Ferrer, Jack Gómez, Fiona Orioli, Lucia Palacios y Vicki Schmidt, Velasco se ha inspirado en La consagración de la primavera, de Stravinski, para crear esta propuesta que estructura en dos actos: Size y Sacre, que combinan danza, cine y música para generar un potente discurso escénico.
Según cuenta el propio Velasco, este espectáculo nace de la necesidad de visibilizar la violencia estructural que atraviesan los cuerpos no normativos en la sociedad contemporánea. Un proyecto comprometido con la inclusión, la diversidad y la igualdad, apostando por la representación de cuerpos diversos y por la creación de nuevos referentes positivos en la cultura actual. [Teatros del Canal: del 28 de mayo al 7 de junio]
